하마구치 류스케의 작품은 때때로 사건 그 자체보다 사건을 경험한 사람들이 어떠한 일상을 살아가고 있는지, 그들의 내면이 어떠한 지에 더욱 집중하는 모습을 보인다. 가령 <아사코>에서는 야외에서 친구들과 맛있는 음식을 먹으며 즐겁고 행복한 시간을 보내고 있는 아사코의 모습을 보여주는 장면에서 흔들리는 아사코의 시점 쇼트를 통해 재난 이후 어느 정도 회복된 일상에서도 사건에 대한 기억을 완전히 지워낼 수는 없음을 보여주고, <드라이브 마이 카>에서는 아내의 갑작스러운 죽음을 맞이한 지 2년이 지난 뒤에도 여전히 가후쿠가 차 안에서 아내가 녹음한 테이프를 들으며 대사를 연습하는 모습을 통해 사건 이후에도 지속되고 있는 그의 일상과 습관을 보여주며, 미사키와 가후쿠가 나누는 대화를 통해 그들이 서로 자신이 가진 과거의 아픔에서 벗어나지 못한 것을 인식하게 되는 과정을 보여준다. 이 글에서 중점적으로 다룰 하마구치의 영화 <악은 존재하지 않는다> 역시 영화 전체에서 주된 사건이라고 볼 수 있는 것은 작은 산골 마을에 도시의 자본가들이 오며 글램핑장 설립 문제를 둘러싸고 주민들과 도시인들 사이에 벌어지는 일들이지만, 영화는 글램핑장 설립 문제를 둘러싼 사람들의 갈등과 대립 자체보다는 도시에서 내려온 외지인들에 대해 마을 주민들이 어떤 태도와 반응을 보이는지, 각 상황에 대해 인물들은 어떤 견해를 가지고 있고, 해당 사건이 일상에 어떠한 영향을 주고 있는지 보여주는 것에 주목한다. 내가 <악은 존재하지 않는다>에서 가장 인상 깊었던 것은 인간 중심적인 시각과 판단을 방지하려는, 혹은 부정하려는 듯한 영화의 태도를 볼 수 있는 지점들이었다. 조금 더 구체적으로 말하자면, 어떤 인물의 시점 쇼트일 것이라고 생각했던 부분들이 이어지는 다른 컷들이나 인간의 시선이라고 보기엔 어딘가 어색한 카메라의 움직임을 통해 사실은 그것이 시점쇼트가 아니었다는 사실이 드러나는 지점들이었다. 이러한 지점들로 대표되는 장면으로는 오프닝 장면과 타쿠미가 하나를 데리러 간 장면, 타쿠미 모녀가 죽은 사슴의 뼈를 발견하는 장면과 엔딩장면을 말할 수 있다.

먼저 오프닝과 엔딩 장면의 경우, 영화는 아래에서 나무를 위로 올려다보고 있는 듯한 시점의 화면을 제시하며 화면은 인물이 나무를 올려다보며 앞으로 걸어가고 있는 듯 천천히 움직인다. 그러나 어딘가 이상한 점이 있다면 이 화면에는 어떠한 떨림도 감지되지 않는다는 것이다. 만약 이것이 움직이고 있는 인간의 시선으로 바라본 풍경이었다면 적어도 걸어가는 동안 인물의 움직임으로 인해 발생하는 떨림이 감지되어야 하는 게 마땅하다. 특히 엔딩의 경우 거친 인물의 숨소리가 함께 등장하고 있기에 안정적인 화면은 더욱 이질적으로 느껴진다. 그러나 이 장면에서 보이는 움직임에서는 그러한 떨림 없이 수직 방향으로 안정적으로 움직이고 있으며 이것은 다소 기계적으로 보이기도 한다. 즉, 이것은 어떠한 인물의 시점 쇼트, 인간의 시선일 것이라고 예상했던 바와 달리, 기계의 시선으로 풍경을 보여주고 있는 것에 가깝다고 볼 수 있을 것이다. 아이들이 무궁화 꽃이 피었습니다 놀이를 하는 장면에서 카메라는 아이들의 모습을 패닝으로 담는다. 이를 통해 관객은 마치 이동 중인 차 내부에서 차창으로 아이들을 보고 있는 듯한 기분을 느끼게 되고, 해당 장면에 앞서 타쿠미가 딸 하나를 데리러 가기 위해 숲에서 내려오는 장면을 목격했기에 관객은 이 시선이 차 안에 위치한 타쿠미의 시점일 것이라고 예상하게 된다. 그러나 이내 한 대의 차가 프레임-인하고, 이 차에서 타쿠미가 내리며 앞선 관객의 기대는 무너진다. 만약 이것이 타쿠미의 시점이었다면 우리가 타쿠미의 차가 프레임-인 하는 걸 보는 것은 불가능한 일이기 때문이다. 그렇다면 아이들을 보고 있는 이 시선은 누구의 시선일까? 이어지는 장면에서 하나가 이미 홀로 걸어갔다는 말에 타쿠미는 다시 차를 돌려 나간다. 이때도 역시 우리는 그가 떠나는 길을 그의 시점이 아닌 차의 후면에서 바라보게 된다. 타쿠미와 하나가 죽은 사슴의 뼈를 발견하는 모습에서도 관람자는 어딘가 어색함을 느낄 수 있다. 그러한 어색함은 하나와 타쿠미의 정면 바스트-숏에서 온 것으로 보인다. 일반적으로 영화에서 어떤 사물을 바라보는 장면은 숏-리버스 숏으로 연결되며 사물을 보고 있는 주체를 담은 쇼트, 그리고 관찰의 대상이 등장하는 쇼트가 이어지는데, <악은 존재하지 않는다>에서 해당 장면은 죽은 사슴의 뼈가 먼저 등장한 뒤 이를 바라보고 있는 타쿠미와 하나의 모습이 로우앵글과도 가깝게 보이는 정면으로 등장하며 죽은 사슴의 뼈의 시점에서 바라본 인간, 혹은 땅(자연)의 시점에서 바라본 문화의 모습을 보여주는 장면에 가깝게 보이기 때문이다. 마지막으로 영화의 마지막 부분, 뿌연 안개 속 들 외에는 아무것도 보이지 않다가 점점 하나와 사슴의 형체가 드러나기 시작하는데, 이 장면 역시 머지않아 카메라 양쪽에서 타쿠미와 타카하시가 프레임-인하며 이것이 인물의 시점일 것이라고 예상한 관객의 기대가 무너진다. 이것이 타쿠미나 타카하시의 시점 쇼트였다면 그들의 뒷모습은 결코 등장할 수 없을 것이고, 그들이 아닌 다른 어떤 인물이었다면, 타쿠미가 타카하시의 목을 조르는 상황 혹은 타쿠미가 하나를 안는 장면에서 존재가 감지되어야 했지만, 해당 장면에서는 타쿠미, 타카하시, 하나 세 인물과 사슴뿐 다른 어떤 존재도 감지되지 않기 때문이다. 영화는 이것이 어떤 인물의 시점 쇼트가 아님을 명백히 보여준다.

 이처럼 <악은 존재하지 않는다>는 특정 인물의 시점 쇼트를 적극적으로 부정하며 인간의 관점에서 사건을 바라보고 파악하는 것을 배제하고자 한다. 인간의 시점으로 상황을 바라보고 판단하고, 사유하려는 순간 영화는 기계적인 움직임과 예상치 못한 관점을 통해 우리의 판단을 제지하는 것이다. 니체는 소크라테스 주의에 대해 “아무도 자기 자신에게 해를 입히고자 하지 않는다. 따라서 모든 악은 의도하지 않고 일어나게 된다. 왜냐하면 악인은 자기 자신에게 해를 가하는 자이기 때문이다. 만일 악이 좋지 않은 것임을 그가 알았다면 그것을 하지 않았을 것이다” 라고 말하며 어떤 것이 악이라는 것을 알았다면 그것을 행했을 리 없다는 가정으로부터 선과 앎, 악과 무지는 곧 동일시된다고 이야기 한 바 있다. 이러한 니체의 관점에서 봤을 때 영화 <악은 존재하지 않는다>에는 말 그대로 악이 존재하지 않는다. 하나의 피해와 병치되는 타카하시의 피해는 타쿠미에게는 자신에게 소중한 것을 지키고자 했던 ‘선’으로, 새끼를 지키려는 본성으로부터 비롯된 것이다. 마찬가지로 마을에 글램핑장을 설립하려는 기업은 그 자신들에게 이익이 된다는 ‘선’이 있기에 해당 일을 추진하고자 하고, 엔터업에 종사하는 타카하시와 마유즈미는 지원금이라는 선을 위해 행동한다. 특히 주민과의 대화에서 타카하시와 마유즈미는 해당 마을에 대해 잘 알지 못하는 모습이 드러나는데, 니체의 말처럼 만약 그들이 마을에 가해질 악이 자신에게 돌아올 선보다 크다고 인지했다면 그들은 그러한 선택을 하지 않았을지 모른다. 들뢰즈는 참과 거짓이라는 진리의 문제는 언제나 선과 악이라는 언제나 앞서 결정 되어있는 전제 뒤에 따르는 부차적인 것이 된다고 말한다. “우리는 언제나 우리가 생각하는 것의 의미와 우리가 믿는 것의 가치에 따라 우리에게 받아들여질 만한 진리들만을 소유한다.”는 것이 그의 견해이며, 이렇게 미리 결정 되어있는 참과 거짓을 와해시키는 역량을 들뢰즈는 시간-이미지에서 발견하고 이를 ‘거짓의 역량’이라고 부른다. 즉, ‘거짓의 역량’은 사실이 아닌 것으로서의 오류가 가지는 상대적인 힘이 아니라 참과 거짓의 판단 체계 자체를 와해시키는 힘이다. <악은 존재하지 않는다>는 들뢰즈가 시간-이미지에서 발견한 ‘거짓의 역량’을 적극적으로 활용한다. 영화는 인간의 시선과 인간 중심적 가치판단 체계를 계속해서 전복시킴으로써 관객이 쉽사리 악인을 특정할 수 없게 하고, 어떤 것이 참인지 거짓인지 판단하거나 악인의 존재를 찾는 것에 집중하는 대신 관객들을 악의 범주와 규정에 대해 사유하는 길로, 최근(하류의 변화)의 일상에 영향을 미친 어떠한 변화(상류의 변화)에 대해 사유하는 길로 이끈다.

60대의 은퇴한 종교 관련 학문을 가르쳐온 낸시는 평생 규칙을 따랐고, 스스로 검열하며 살아왔다. 그런 그녀가 남편과 사별 후 어느 날 특별한 버킷리스트를 이루려 한다. 단 한 번도 섹스에 만족해 본 적 없었기에, ‘리오 그랜드’라는 젊은 남성의 퍼스널 서비스를 경험하며 새로운 도전을 시도하는 성장 영화이기도 하다. 영화의 대부분은 호텔 방 안에서 나이든 여성과 젊은 남성의 이야기를 담아낸다. 스펙터클한 비주얼이라던지, 서스펜스의 긴장감이 있는 영화는 아니지만 그들의 상황, 대화만으로도 묵직한 힘이 있는 영화다. 영화로 확인해야만 하는 내용을 제외하고, 그 밖에서 영화가 가진 힘에 대한 이야기를 해보고싶다.

섹스 포지티브(Sex Positive)

남들의 시선이나 평가에 상관없이 자신의 섹슈얼리티와 젠더를 탐구하고 당당하게 이야기 나누는 삶의 태도를 뜻하는 용어

이 영화에서 가장 주된 키워드이자 목적이라고 할 수 있겠다. 궁금하고 해보고싶지만 누군가의 시선 그리고 스스로의 검열 속에 입 밖으로 꺼내기조차 민망하게 여겨지던 것들에 대해, 당신을 평가하는 것, 당신을 감시하는 것 모두를 내려 놓으라 말하며 관계 대신 춤과 샴페인을 권하는 리오처럼 영화는 관객에게 성적 탐구와 호기심에 대해 하나하나 이야기를 꺼내본다. 그렇다면 이러한 주제를 다루는 이 영화의 문법은 영상 언어로서 어떻게 작용할까?

1896년부터 2020년까지 175편 이상의 영화 클립을 분석한 니나 멘케스(Nina Menkes)는 2020년 2월 로테르담국제영화제에서 ‘섹스와 권력: 억압의 시각적 언어(Sex and Power: The Visual Language of Oppression)’라는 주제로 할리우드의 영화 기법이 여성 혐오 문화를 강화하기 위해 어떻게 오랫동안 사용되어 왔는지에 대해 강연한다. 니나 멘케스의 강연을 바탕으로 지금까지 줄곧 사용되어 여성을 대상화하는 카메라 기술은 크게 5가지로 분류할 수 있다. (여기에서는 해당 영화와 관련된 부분만 간략하게 적용하겠다)

1. 시점샷(POV)-남성 주체와 여성 대상

2. 프레이밍-신체의 일부를 부분적으로 보여주는 것

3. 카메라의 무빙-몸을 훑는 듯한 틸트, 패닝 그리고 슬로우 모션

4. 조명-3D로 비춰지는 남성과 2D 또는 판타지 조명으로 비춰지는 여성

5. 내러티브 포지션-서사의 흐름 밖 존재

사진 출처: <Brainwashed: Sex-Camera-Power> trailer

1번의 ‘시점샷' 같은 경우는 위 사진과 같이 시선의 대상이 누구인지에 대해 말한다. 영화들은 줄곧 ‘관객-카메라-남성(행위자: Subject)-여성(대상: Object)’의 주체-대상의 시선을 고수해왔다. 또한 젊은 여성의 신체를 보여줄 때는 얼굴이 함께 나오지도 않게 가슴, 엉덩이, 다리 등 신체 일부만을 보여주기도 한다. 이또한 대로는 패님, 틸트로 대상의 움직임보다는 누군가의 시선의 흐름을 따라가는 듯하다. 하지만 <굿 럭 투 유, 리오 그랜드>의 경우, 누군가의 몸을 누군가의 시선을 통해 바라보지 않는다. 또한 은은하고 희미한 조명이 아닌 명확하고 또렷하게 낸시와 리오를 동일하게 담아낸다. 이런 의미들에서 낸시가 자신의 몸을 거울에 비춰 바라보는 모습을 전신으로 담은 카메라는 여성이 주체가 되어 바라보고, 현란한 조명과 촬영 기술 없이 담아냈기에 ‘영상 언어'로서 새로운 문법을 만들어내는 큰 역할을 한 장면이라고 생각한다. 영화의 내러티브뿐만 아니라 카메라 또한 개인의 섹슈얼리티와 젠더를 또렷하게 바라본 덕분에 영화의 본질과 목적은 영화가 끝날 때까지 그 힘을 가지고 갈 수 있었다고 생각한다.

영화라는 판에서 영상 언어만큼 중요한 것도 배우일 것이라 생각한다. 이미 아카데미 시상식에서 2회를 수상한 엠마 톰슨은 연기 40년 차에 처음으로 노출 연기를 한다. “할리우드 남성 관계자들은 내가 노출 연기를 하는데 이상적인 몸매를 가지고 있지 않다고 비판했다.”며 “현실 속 대부분의 여배우는 비현실적으로 말랐고, 보정 없이 있는 그대로의 몸을 보는 건 익숙하지 않다. 이제는 변화가 필요하다. 미디어에서 진짜 몸을 보여줄 수 있어야 한다. “고 인터뷰에서 줄곧 말해온 엠마 톰슨은 이번 영화에 대해 “여성의 몸에 쏟아지는 사회의 기대 및 압박에 항상 맞서 왔다. 62 세의 나이에 옷을 벗고 촬영하는 건 힘들었지만, 자연스러운 내 몸을 보여줬다는 것은 이 영화의 성과라고 생각한다.”라고 말했다.

연기 경력에 상관없이, 나이에 상관없이 쉽지 않았을 결정에는 여성 감독과 여성 제작진으로 구성되어 충분한 대화를 나누며 장면들을 만들어냈기에 가능했을 거라 생각한다. 이에 대해 엠마 톰슨은 ”리허설을 하며 우리의 몸에 관한 이야기를 많이 했다. 내 몸과 서로의 몸에 대해 좋아하는 점, 싫어하는 점, 불안한 점 등에 대해 이야기 나누면서 점점 편안해졌다.”라고 말했으며 감독 또한 “이야기의 본질적 특성상 노출 장면을 촬영하는 데 있어 서로 계속해서 소통하고 상의하고 실험하며 발전시켰다.”며 작업 과정에 대해 직접 말한 바 있다. 최근 많이 알려진 벡델 테스트 외에, 더 리프레임 프로젝트(The ReFrame Project)와 영화 전문 사이트인 IMDB Pro와 파트너쉽을 통해 데이터를 분석하여 제작진 중 절반 이상 여성을 고용한 프로젝트를 대상으로 수여하는 ‘리프레임 스탬프'는 이미 넷플릭스 시리즈 <브리저튼>, 그레타 거윅의 <레이디 버드>, 에머랄드 펜넬의 <프라미싱 영 우먼>등의 작품에게 제공된 바 있다. <굿 럭 투 유, 리오 그랜드>또한 ‘리프레임 스탬프'를 획득하며 영화 산업계 전반에 걸쳐 카메라 안팎의 여성을 위한 기회를 확대하는데 큰 몫을 하기도 했다.

우리는 나이든 남자와 젊은 여자를 보는 데에는 익숙하지만 나이든 여자와 젊은 남자가 함께 있는 모습에는 익숙하지 않다. 특별한 부류의 여성이 아니고, 젊고 비현실적인 몸매의 여성이 아니고, 자유롭게 성적 탐구를 할 것 같지 않은 평범한 여성에 대해 명확한 내러티브와 그에 맞는 또렷한 카메라의 시선이 함께 이루어졌기에 개인의 섹슈얼리티에 집중하고, 젠더에 대해 탐구해 가는 새로운 영상 언어의 역사를 쓰는 작품이라고 볼 수 있겠다.

*본 리뷰는 씨네랩 크리에이터로서 시사회 초청을 받아 작성한 글입니다. 

제목이 신기했던 영화 <임신한 나무와 도깨비>. 나무가 어째서 임신을 했을까? 이 도깨비는 뭘까? 판타지 영화인가? 궁금증이 넘실됐던 작품이었다. 이 작품에 대해 큰 정보를 알지 못하고 보러갔는데, 생각보다 다크하면서도 코믹했던 신기한 작품이었다.

영화 <임신한 나무와 도깨비> 시놉시스

마침내 죽음이 찾아왔다. 한 번 들어오면 빼도 박도 못하고 죽어야 나갈 수 있는 곳. ‘뺏벌’. 그곳엔 누구보다 죽음을 많이 본 여자, 인순이 있다. 저승사자들은 뱃벌의 유령들을 데려가기 위한 이야기를 만들어내고 인순은 그들에게 맞서기 위해 자신만의 이야기를 펼쳐낸다.

* 해당 내용은 네이버영화를 참고했습니다.
이 이후로는 영화 <임신한 나무와 도깨비>에 대한 스포일러가 존재합니다.

미군 위안부이 존재를 드러내다

사실 위안부라는 말은 그간 많이 들었다. 일본군 위안부 문제가 아직까지 해결되지 않고 있으니 말이다. 하지만 그 외의 위안부 존재에 대해서는 잘 알지 못했다. 그래서 영화가 시작하며서 등장인물이자 실존인물인 박인순님이 미군 위안부였다는 사실에, 그리고 그 위안부의 존재가 해방 이후에도 지속되었다는 사실에 그동안 알지 못했던 역사에 대해 반성하게 됐다. 같은 위안부 문제지만 일제강점기 시기 있었던 위안부 문제보다 대한민국 정부 시기의 미군 위안부 문제는 왜 부각이 되지 않았을까? 왜 사람들의 관심에서 벗어났을까? 하는 생각이 계속 들었던 작품이었다.

구술사의 중요성에 대하여

대학원에서 기억연구를 전공하면서 구술사의 중요서이 얼마나 큰지는 인지하고 있었다. 하지만 사실 이론적으로 그 중요성에 대해 연구를 하다보니 이것이 실제로 어떠한 영향을 미칠까에 대해서는 크게 감흥이 없었다. 그래서 간혹가다가 나의 연구가 이 세상에 어떤 쓰임이 있는가?하고 회의감에 빠질 때가 있었는데 영화 <임신한 나무와 도깨비>를 보면서 구술사를 채록하는 것이 얼마나 중요한 일인지 다시금 깨다을 수 있어서 좋았다.

그간 역사에서는 외면받던 개인의 이야기를 통해 정말 그 시대의 민중은 어떻게 살았고, 영화 속 미군 위안부의 실태를 사람들이 심각하게 받아들일 수 있도록 만들 수 있는 것이 구술사의 역할이고, 그 중요성을 영화 <임신한 나무와 도깨비>에서 작 보여줬다고 생각한다. 이 세상의 어느 누가 미군 위안부 생활을 하며 임신을 한 달에 한 번 꼬로 했다는 사실을 알았겠는가? 직접 당사자들의 이야기를 풀어내고 기록하는 것이 역사에 있어서 얼마나 중요한지 깨달을 수 있었던 순간이었다.

판타지를 접목한 실화이야기

영화 <임신한 나무와 도깨비>를 보면서 들었던 생각은 <박씨부인전>과 비슷하다고 느껴졌다. 소설 <박씨부인전>이 호란을 겪고 청나라에 소설에서만이라도 복수를 성공해서 민중들의 애환을 달래주는 이야기였는데, 이 작품 역시 실제로 미군에 대한 복수를 직접적으로 할 수는 없지만 영화 속에서만이라도 자신을 이렇게 만든 미군의 머리를 잘라 복수에 성공하는 모습을 보이면서 그 울분을 조금이라도 해소하는 모습을 보여준다.

그 과정에서 저승사자가 등장하는 등 판타지적인 요소들이 꽤나 나오고, 그로테스크한 장면들이 연이어 이어진다. 그러다보니 사실과 판타지적인 장면이 조금 명확하게 구분되면서 이 작품에서 그려지지 않은 다른 사실들은 또 어떨까?하는 궁금증이 차올랐고, 이 호기심과 궁금증은 미군 위안부에 대한 정보 탐색으로 이어질 수 있지 않았나 싶다.

영화 <임신한 나무와 도깨비>는 미군 위안부에 대한 이야기를 담아내면서 구술사가 얼마나 중요한지 그 역할에 대해 잘 풀어낸 작품이었다.

최동훈 감독의 필모를 하나씩 살펴보고 있는 요즘, 그의 첫 천만관객 영화 여던 영화 <도둑들>을 봤다. 어렸을 적 봤던 기억은 있지만 앉아서 제대로 보진 않아서 이렇다할 기억이 별로 없었는데 왜 천만명이 넘는 사람들이 선택했는지 알 수 있었던 재미있는 작품이었다.

영화 <도둑들> 시놉시스

10인의 도둑, 1개의 다이아몬드 그들이 움직이기 시작했다!

한 팀으로 활동 중인 한국의 도둑 뽀빠이와 예니콜, 씹던껌, 잠파노. 미술관을 터는데 멋지게 성공한 이들은 뽀빠이의 과거 파트너였던 마카오박이 제안한 홍콩에서의 새로운 계획을 듣게 된다. 여기에 마카오박이 초대하지 않은 손님, 감옥에서 막 출소한 금고털이 팹시가 합류하고 5명은 각자 인생 최고의 반전을 꿈꾸며 홍콩으로 향한다.

 홍콩에서 한국 도둑들을 기다리고 있는 4인조 중국도둑 첸, 앤드류, 쥴리, 조니. 최고의 전문가들이 세팅된 가운데 서로에 대한 경계를 늦추지 않는 한국과 중국의 도둑들. 팽팽히 흐르는 긴장감 속에 나타난 마카오박은 자신이 계획한 목표물을 밝힌다. 그것은 마카오 카지노에 숨겨진 희대의 다이아몬드 <태양의 눈물>. 성공을 장담할 수 없는 위험천만한 계획이지만 2천만 달러의 달콤한 제안을 거부할 수 없는 이들은 태양의 눈물을 훔치기 위한 작업에 착수한다.

 그러나 진짜 의도를 알 수 없는 비밀스런 마카오박과 그런 마카오박의 뒤통수를 노리는 뽀빠이, 마카오박에게 배신당한 과거의 기억을 잊지 못하는 팹시와 팀보다 눈 앞의 현찰을 먼저 챙기는 예니콜, 그리고 한국 도둑들을 믿지 않는 첸과 중국 도둑들까지. 훔치기 위해 모였지만 목적은 서로 다른 10인의 도둑들은 서서히 자신만의 플랜을 세우기 시작한다.

* 해당내용은 네이버영화를 참고했습니다.

이 이후로는 영화 <도둑들>에 대한 스포일러가 존재합니다 :)

캐릭터별 매력이 넘쳤던 작품

최동훈 감독 작품의 매력포인트는 캐릭터가 굉장히 다채롭다는 점이다. 사실 투톱이든 타이틀이든 주연캐릭터 1,2명에 의존해 극을 이끌어 가는 경우가 많은 반면 최동훈 감독의 작품들에서는 굉장히 다양한 캐릭터들을 만나볼 수 있다. 그렇다고 해서 그 많은 캐릭터들이 다른 한 캐릭터를 빛내주기 위해 있는 존재들이 아니라 다 나름 자신의 빛을 잃지 않고 영화 속에 녹아든다. 이러한 최동한 감독의 특징이 영화 <도둑들>에서 잘 드러난 것 같다. 마카오박, 펩시, 뽀빠이, 예니콜, 첸, 씹던껌, 앤드류, 잠파노까지 8명이라는 캐릭터가 물론 등장씬의 수는 다를지 모르더라도 그 각각의 캐릭터들이 어떤 특징을 가지고 있는지 관객의 머리 속에 잘 각이되게끔 캐릭터의 매력을 극대화한 작품이었다.

상업영화가 과연 나쁜 것일까?

영화 <도둑들> 리뷰를 쓰면서 다른 리뷰들도 함께 봤는데 영화 <도둑들>에 대한 혹형이 많았었다. 나는 개인적으로 좋게 봤다. 왜냐면 상업영화가 꼭 나쁘다고 생각하진 않기 때문이다. 다만 스크린의 독과점이 나쁘다고 생각할 뿐이다. 영화 <도둑들>은 사실 대중들이 원하는 오락상업 영화의 문법을 그대로 따르고 있다. 일상생활에서 느끼기 힘든 짜릿함, 통쾌함을 대리 만족시켜주고 무언가를 훔친다는 범죄를 지켜보며서 어찌보면 일탈의 경험도 해볼 수 있는 기회를 제공한다. 자신이라면 하지 못할 행동들을 영화를 보면서 희열을 느끼고 그 감정과 충동을 희석시키는 오락영화로서 영화 <도둑들>은 충분히 그 역할을 해냈다고 생각한다. 그러니 천만이 넘는 사람들인 선택한 것인 아닐까? 단지 상업영화라고 해서, 오락영화라고 해서 따가운 눈초리를 보내는 것은 사실 조금 불편하다.

도둑은 도둑일 뿐이다

영화 <도둑들>을 보면서 좋았던 점은 도둑의 미화가 지나치지 않았다는 점이다. 다른 작품들을 보다보면 솔직히 도둑이 세상을 구한다던지, 구하지도 않았는데 약간 그저 본인들의 이익을 취하기 위해 다른 사람의 재물을 뺏어온 것인데 이 과정을 영웅화한다던지 이런 부분들을 쉽게 목격할 수 있다. 하지만 영화 <도둑들>에서는 도둑은 도둑이다. 라는 스텍스가 명확해서 액션신이나 다이아몬드를 훔치러가는 과정에서 보여지는 도둑들의 굉장한 능력들을 보면서도 마지막에는 결국 도둑일 뿐이라는 사실을 명시하면서 영웅화 하지 않았다는 점이 굉장히 인상적이었다. 솔직히 도둑은 범죄자다. 하지만 영화의 소재로서는 너무나도 매력적이다. 그렇기에 영화 속에서는 그들의 행위를 미화하고 정당화하며 영웅화하는 경우가 있는데 이 작품은 그렇지 않아서 만족스러웠다.

영화 <도둑들>은 두고두고 찾아볼 명작은 아니더라도 남는 시간에 재밌게 볼 수 있었던 즐거운 오락영화였다.
 

*본 글에는 스포일러가 포함돼 있습니다.

로알드 달의 뮤지컬 마틸다

(NETFLIX, 22.12.25 공개)

감독: 데니스 켈리

출연: 알리사 위어, 엠마 톰슨 등

무려 크리스마스에 개봉한다고 해서 한 달 전부터 두근두근 기대하고 있던 작품입니다.

1997년 개봉한 영화 '마틸다'와 내용 같고요, 거기에 뮤지컬을 추가했다고 생각하심 될 듯해요

근데 기대를 너무 많이 했어서 그런가?

생각보다 지루하고 유치한 느낌이 많이 났답니다 ㅠㅠ

전체 관람가다 보니 아이들도 보기 쉽도록 단순하게 연출했겠지만,

아무래도 넷플릭스에서 제작한 거라며 과대 홍보를 하여 기대치를 지나치게 높여 놨던 것도 있는 거 같아요. ​일반 영화와 다를 게 뭐가 있나 싶은 이야기 진행이랄까요?

사실 '마틸다'에서도 이야기가 너무 뒤죽박죽이라고 생각한 1인입니다만... 학대당하는 아이, 그러나 어딘가 천재성이 있는 아이, 입학하게 된 학교의 교장은 지나치게 엄격하고, 그 와중에 초능력을 부릴 수 있단 걸 알아챈다, 게다가 아이를 안타깝게 여긴 선생님이 거둬 주기까지... 소재가 하나인 게 아니라 다양한 소재가 뒤엉켜 하나의 결말을 이끌어내는 이야기잖아요.

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'마틸다'에서는 어땠는지 기억이 잘 안 나는데 '로알드 달의 뮤지컬 마틸다'에서는 마틸다가 머릿속에 상상한 소설이 한 편 등장하는데요. 그 소설의 주인공은 사실 허니 선생님이에요

임신한 채로 곡예를 부리던 엄마는 자신을 낳고 돌아가시고, 이모 손에 맡겨진 허니 선생님은 학대를 당하죠 그 사실을 알게 된 선생님의 아빠는 대응하려다가 아마도, 이모 손에 죽게 된 거 같고요. 그 이모가 바로 트런치불 교장!

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자신에게 이런 끔찍한 과거가 있기에 마틸다를 거둬 주기로 한 건데요... 마틸다와 겹쳐지는 허니 선생님의 어린 시절 연출이 굉장히 슬프고 감동적이긴 했지만 사실 영화의 엔딩 치고 그닥 완벽해 보이진 않아요. 마틸다는 행복해졌지만, 시청자가 개운하진 않은...?

하지만 또 다른 관점으로 생각해 본다면 전 사실 이 모든 게 마틸다의 상상 같기도 합니다. 학대를 당하던 마틸다는 이미 죽었을지도요.

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자신을 방임하는 부모에게 염색약, 본드 등으로 복수하는 것도 작고 힘 없는 마틸다의 상상이었을지도 모르고요. 트런치불 교장이 있는 그 학교는 어쩌면 고아원이었을지도 모른다는 생각이 드네요.

그 학교에 있는 아이들은 마틸다와 달리 부모에게 사랑을 받고 자란다는 식으로 말을 하는데 정작 트런치불 교장의 학대에 소리치는 부모는 등장하지 않아요. 아니, 그냥 그들의 부모는 등장하지 않아요

오로지 허니 선생님만이 교장의 학대를 막아 줄 뿐 이 모든 게 상상이라고 생각한 가장 큰 이유는 아무래도 '초능력' 때문이겠죠. 그 초능력만 있었다면 마틸다는 부모의 학대에서 벗어날 수 있고, 지긋지긋한 트런치불에게서 벗어날 수 있고, 자신이 원하는 미래에서 행복하게 살 수 있거든요.

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엔딩쯤에서 아빠가 마틸다에게 '딸'이라고 하는데요 평생을 '아들'이라고 부르다가 마지막에야 딸이라고 하거든요. 그게 마틸다가 듣고 싶던 한 마디가 아니었을까요?

어쨌든! 많이많이 기대한 것보다... 훠얼씬 실망했다는 게 저의 총평이랍니다 ㅠㅠ 노래를 듣는 맛은 있었지만 귀에 착 감기는 넘버는 없었고, 뮤지컬 '마틸다'로도 공연 중이기 때문에 그걸 한번 보고 싶다는 욕심은 생겼네요~

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*스토리: ★★

*연출: ★

*영상미: ★★★

*연기: ★★★★

*OST: ★★

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*재관람의사: ★ 

?  "투모로우 워(2021)" 영화소개 및 영화리뷰(*결말포함 아님)

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