예전에는 짧고 간결한 제목이 최고라고 생각했는데, 요즘엔 아닙니다. 아주 긴 제목이 오히려 기억에 더 오래 남는 느낌이 들기 때문인데요. 제24회 전주국제영화제 상영작이었던 <우리는 천국에 갈 순 없지만 사랑은 할 수 있겠지>도 그렇고, 동네 플리마켓에서 구매한 <한가로운 걱정을 직업적으로 하는 사내의 하루>도 그렇고, 올해 전주국제영화제 상영작인 '이 영화'도 그렇고 말이죠. 

제목이 너무 길어서 영화를 보기 전까지 몇 번이나 이 영화의 제목을 헷갈려 했습니다. 그렇지만 검색해 보지 않고 제목을 다시 떠올리는 것도 긴 제목의 작품을 즐기는 방법이죠. 이러한 이유로 제목을 자꾸 되뇌었더니, 영화관에 들어서기 한참 전부터 '이 영화'가 머릿속에 단단히 각인되어 버렸습니다. 그래서 제목이 뭐냐면요….

난 엄청 창의적인 휴머니스트 뱀파이어가 될 거야
Humanist Vampire Seeking Consenting Suicidal Person

Summary 

'사샤'는 심각한 문제로 골머리를 싸매고 있는 뱀파이어다. 사람을 죽이기엔 마음이 너무 약하다는 것! 다행히도 자살 성향이 있는 외로운 십 대 소년 '폴'을 만나고, '폴'은 '사샤'를 구하기 위해 기꺼이 자신의 목숨을 바치기로 한다. 하지만 이 둘의 계약은 날이 밝기 전, '폴'의 마지막 소원을 이루기 위한 탐험으로 바뀐다. (출처: 전주국제영화제) 

Cast 

감독: 아리안 루이 세즈

출연: 사라 몽페티, 펠릭스-앙투안 버나드

뱀파이어 호러 속 비거니즘

우리는 너무 익숙하면 본질을 제대로 보지 못하곤 합니다. 진실이라고 해도 잘 와닿지 않죠. 그래서 장르물이 재밌습니다. 장르라는 커튼 뒤에 현실을 어렴풋하게 감춰놔서 익숙했던 일상을 낯설게 하는 효과가 있기 때문입니다. 

뱀파이어 호러 장르를 표방하는 이 작품도 마찬가지였습니다. <난 엄청 창의적인 휴머니스트 뱀파이어가 될 거야>는 사람의 피를 마셔야만 사는 뱀파이어 '사샤'가 동정심으로 인해 사람을 죽이지 못해 벌어지는 일을 다룹니다. '사샤'는 죽기 아니면 까무러치겠다는 마인드로, 살인을 저질러야 한다면 차라리 굶어 죽겠다며 버팁니다. 그러나 본능을 거부하기가 쉽지만은 않습니다. 밀려오는 허기 앞에서 '사샤'는 윤리와 생존의 문제를 고민합니다.

이러한 '사샤'의 모습은 비거니즘이라는 현실을 떠올리게 합니다. 먹이사슬 최상위의 인간들은 오랜 시간 아무렇지 않게 고기를 먹어왔지만, 다변화하는 사회 속에서 죽어가는 동물에게 동정심을 느끼는 사람들이 늘어났습니다. 세상은 동물에게 동정심을 갖는 사람들이 유별나다며 입을 모았습니다. 하지만 그들은 스스로 비건이라 칭하고, 동물을 죽이지 않는 삶을 택했죠. 인간을 죽이지 않는 삶을 택한 '사샤'처럼요. 

현실에서는 비거니즘을 실천하는 사람들을 향해 얄팍한 비판의 잣대를 들이대는 경우가 많습니다. 사람을 죽이는 대신, 부모님이 구해준 피를 팩에 담아 쥐고 사는 '사샤'에게도 비슷한 잣대를 댈 수 있죠. '사람을 죽이지 않는다면서, 남이 죽인 사람의 피는 마셔도 되는가?' '진짜 휴머니스트 뱀파이어가 맞는가?' 하지만 영화에서는 이런 사사로운 문제를 꼬집으며, '진짜 휴머니스트 뱀파이어'인지 아닌지를 재고 따지지 않습니다. 결국은 일반 뱀파이어들도 그의 대안을 존중하고 지원해 주죠. 

휴머니스트 뱀파이어 '사샤'는 이번 전주국제영화제의 또 다른 상영작 중 하나인 <연습>의 주인공 '트리네'를 떠올리게도 했습니다. <연습>은 트럼펫 오디션을 보기 위해 수천 킬로를 이동해야 하는 젊은 음악가가 환경에 미칠 영향을 고려해 비행기 대신 히치하이크만으로 목적지에 도달하는 과정을 담은 로드무비입니다. '트리네'도 배기가스를 내뿜는 자동차를 타고 이동하지만, 그렇다고 해서 그의 환경 운동이 아무 소용이 없다고는 말할 수 없습니다. 때로는 약간의 모순이 있을지라도, 조금 더 나은 대안을 밀어붙이는 마음. '사샤'와 '트리네, 그리고 자신이 지향하는 가치를 따라 움직이는 현대인들의 공통점입니다. 

⊙ ⊙ ⊙  

각자도생보다 공생 

원제는 직역하면 '자살 희망자를 찾는 휴머니스트 뱀파이어'입니다. 'Consenting'이라는 말이 포함되어 있으니, 더 정확하게는 '피를 제공하는 것에 동의한 자살 희망자를 찾는 휴머니스트 뱀파이어'가 되는데요. 한국어 제목도 센스 있게 잘 번역했지만, 원제가 영화 전체의 맥락을 고스란히 담고 있어 소개했습니다. 이 영화는 사람의 피를 구하기 위해 고군분투하는 휴머니스트 뱀파이어('사샤')와 그를 도와주고 싶어 하는 자살 희망자('폴')의 이야기거든요. 

현실에 빗대어 보면, 둘의 협력은 타인에 의해 생명을 거두는 안락사나 조력 자살을 연상케도 합니다. 그러나 저에게 둘의 협력과 연결할 수 있는 가장 적합한 단어는 바로 공생이었습니다. 이것이 감독의 의도였는지, 단지 개인적으로 마음을 쓰고 있는 부분이어서였는지는 모르겠지만, 영화를 보는 내내 이 단어를 생각하지 않을 수 없었습니다. 

공생은 두 생물이 이익을 주고받으며 사는 것입니다. 흔히 악어와 악어새를 예로 들어 설명하곤 하죠. 우리 사회에서 유행처럼 번지는 각자도생과는 정반대의 말입니다. <난 엄청 창의적인 휴머니스트 뱀파이어가 될 거야>에서는 삶을 빼앗기 싫은 휴머니스트 뱀파이어와 삶에 미련이 없는 자살 희망자가 공생하는 과정을 거치는데요. 어쩐지 현실에서는 공생의 개념이 점점 사라지는 것만 같습니다. 휴머니스트 뱀파이어 '사샤'와 자살 희망자 '폴'은 서로가 있었기에 다음을 도모할 수 있었습니다. 만약 각자도생뿐이었다면 두 생물의 결말은 어땠을까요? 적어도 해피엔딩은 아니었을 겁니다. 

⊙ ⊙ ⊙ 

뱀파이어를 소재로 한 영화는 뻔한 장르, 뻔한 스토리를 즐기는 맛에 보는 장르물입니다. 하지만 <난 엄청 창의적인 휴머니스트 뱀파이어가 될 거야>는 뻔한 장르에서 가장 안 뻔한 부분을 집어내 확장하고, 그 안에서 안 뻔한 스토리를 만들어냅니다. 국내에서는 5월 29일에 개봉할 예정이라고 하니, 색다른 뱀파이어물을 보고 싶으신 분들께 가볍게 추천해 드립니다. 

One-Liner

뱀파이어는 아니지만, 나도 엄청 창의적인 휴머니스트 인간이 되고 싶어. 

Schedule in JIFF

2024.05.04(토) 메가박스 전주객사 4관 23:59

2024.05.04(토) 메가박스 전주객사 5관 23:59 

2024.05.04(토) 메가박스 전주객사 6관 23:59

2024.05.07(화) 메가박스 전주객사 2관 17:00

2024.05.10(금) CGV전주고사 1관 11:00

전주국제영화제 기간 : 05월 01일 - 05월 10일 

감독: 존 카니

출연: 글렌 핸사드, 마르게타 이글로바

개봉: 2007. 09. 20 / 2017. 11. 01 재개봉

줄거리

평범한 청소기 수리공인 '그'는 매일 저녁에 자작곡을 거리에서 부른다.

낮에 사람들은 아는 노래만 들을려고 하기 때문에, 밤에만 나와 부르는 ‘그'

어느 날, 그가 부르는 노래를 듣고 그의 음악성을 본 그녀.

그녀 역시, 음악을 좋아하지만 가난한 형편 때문에, 피아노 가게에서 연주를 하는 것이 전부.

그녀의 피아노 연주를 들은 그도 마찬가지로 그녀의 음악성을 확인한다.

그런 그들은 서로 작업을 도와주며, 가까워진다.

더블린의 밤거리에서 우연히 만난 그와 그녀.

서로 풍족하지 못하고, 늘 서툴던 서로.

닮은 부분이라곤 음악을 사랑하는 마음뿐인 그들.

그 둘의 부족함은 음악이 채워주고 둘의 이야기가 적힌 영화 속 스크린이 채워져간다.

Miluju tebe

감독&배우

이름 : 존 카니

필모그래피 : 원스, 비긴 어게인, 싱 스트리트 등

특징 :

매번 음악 영화를 만들며, 원스에선 투박함과 어색함, 거친 영상을 다루어 만들었지만, 그런 어색함이 주는 감성을 잘 살리고,

비긴 어게인에선 몰락한 프로듀서, 바람난 톱 가수, 버림받은 연인의 이야기를 잘 다루었지만 원스의 색채는 잃어버린 듯 했으며,

싱 스트리트 에선, 청춘들의 음악이야기를 잘 다루었다.

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매번 음악의 사운드트랙은 CD로 구매하여 소장할 가치가 충분히 있을 정도이다.

이름 : 글랜 핸사드

역할 : 그

필모그래피 : 원스, 원스 어게인,커미트먼트 등

특징 :

긴박한 느낌을 잘 주는 노래 'falling slowly'를 특유의 부드러운 음색과 여유로운 감성을 주며 적당히 긴박한 느낌도 잘 주면서 불렀습니다.

실제 아일랜드의 인디밴드 'The Frames'의 보컬로 활동합니다.

노래에서는 특유의 감성이 잘 묻어나며, 여유로운 느낌을 받게 합니다.

​이름 : 마르게타 이글로바

역할 : 그녀

필모그래피 : 원스, 원스 어게인

총 평

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★★★★☆  9.5/10.0

(영화의 스포일러가 있으며, &표시가 있는 부분은 스포일러 주의 표시입니다.)

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-짧은 평가-

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'비긴 어게인'이 프로 가수들의 이야기를 다루며 그 안에 생기는 갈등과 음악을 담았다면,

'원스'는 음악의 아름다움과 가치를 중점적으로 다룬 영화입니다.

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'존 카니' 감독의 초창기 작품으로 구조만 보면 정말 단순하고,

영화를 이끌어가는 갈등요소도 없으며, 사족이 하나도 없이 일사천리로 일이 진행되는 영화입니다.

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영화는 아무 소스도 없는 샐러드 같다는 느낌이 처음에는 강합니다.

하지만, 음악이 등장하면, 위에 발사믹 소스가 뿌려진 듯 합니다.

역경, 갈등 아무것도 없어서 그저 강가에서 멀어저 가는 나뭇잎과 같습니다.

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영화를 보면, 우리(관람객들)들이 그 나뭇잎처럼

잔잔히 흘러가며, 영화 원스라는 강의 한 가운대로 천천히 나도 모른체 가는 듯 합니다.

-더 현실적이라 여운이 남는 결말-

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영화의 마지막을 달리다 보면, '그'와 '그녀'는 현실에 직면합니다.

그는 헤어진 전 애인을 잊지 못하였고, 그녀는 사실 이혼하여 아이가 딸린 엄마입니다.

​

그런 그녀에게 그는 자신을 사랑하냐 묻고, 그녀는 의미심장하게 체코말로 대답합니다. '너를 사랑해'라고 하지만,

그는 무슨 뜻인지 모른체..

​

그는 아침식사를 제안하지만, 그녀는 더 이상 가까워지는 것은 둘 다에게 미련만 남고 돌아오지 못할 관계임을 직감하고,

그에게 내일 남편이 온다며 떠나고, 그는 그런 그녀에게 런던으로 작업을 하러 떠나기 전 피아노를 선물로 남겨주고 떠나며,

​

둘 다 자신의 바램과 서로의 관점에서 보면 성공하였지만, 어느 한 편으론 둘다 실패했습니다.

분명 해피엔딩이지만, 사랑은 이루어지지 않는다는 느낌과

항상 승승장구 하지 않고, 무언가를 얻으면 잃는다는 일득일실의 느낌도 함께 느낄 수 있었습니다.

​

이 부분이 다른 음악영화와의 차이점입니다.

그저 행복한 결말이 아닌 행복하지만, 현실적이며, 어딘가 쑤씨게 만드는 듯한 이 연출은 정말 일품이였습니다.

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-10년 가까이 들어도 편안한 사운드트랙-

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아마 제가 이 영화를 처음 본게, 초등학교 2학년 시절에 가족끼리 유럽 일주를 하며 유로스타 기차안에서 보았는데,

그 때는 다른 거는 잘 몰라도 음악은 좋았다고 생각했습니다.

그 때부터 계속 이 음악은 제 DAP와 아이폰, 스포티파이와 애플뮤직의 플레이리스트에 항상 빠지지 않고 있었습니다.

글랜 핸사드의 부드러우면서 귀에 딱딱 박히는 듯한 보이스와

영화 특유의 감성과 여유로우면서 긴박한 느낌을 정말 잘 주는 듯한 노래입니다.

​

그 외로도 전체적으로 사운드트랙이 준수합니다.

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-다소 특이한 연출-

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이 영화는 꽤나 특이합니다.

주연인 '글렌 핸사드'와 '마르게타 이글로바'의 캐릭터의 이름이 묘사되지 않습니다.

저는 이 부분이 상당히 흥미로웠는데,  영화를 보고 나서 다른 영화들을 돌려보며, 이름에 대한 의미를 생각했습니다.

이름은 누군가, 나 혹은 다른 이들의 정체성과 존재라고 할 수 있었습니다.

센과 치히로의 행방불명을 보면, 유바바가 치히로의 이름을 빼았습니다.

하쿠는 이름을 잊으면 되돌아올 수 없다고 합니다.

여기서 저만의 해답을 얻을 수 있었습니다.

​

영화는 음악에 포커스를 더 두며, 둘의 애정은 음악을 더 돋보이게 만듭니다.

이름은 정체성과 존재라고 했는데, 둘이 서로 이름을 말하며 애정을 나누고 한다면,

이 영화에서 둘의 관계는 밋밋하다 느껴졌지만, 그 느낌이 없어지고 연인같다는 느낌을 줄거 같습니다.

​

저는 '연인같다는 느낌 = 존재감'을 없애기 위해 이름을 안 주었을 수도 있겠다. 라고 해석을 했습니다.

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또한, 이 영화는

은유적으로 묘사된 부분이 많습니다.

남녀간의 사랑과 음악을 표현한 영화인데, 둘은 실질적으로 애정을 나누거나 한 과정이 없습니다.

그저 말 몇마디와 음악이 전부입니다.

하지만 영화의 분위기와 배우들의 연기를 보면서, 둘의 관계를 대충 유추하는 듯한 느낌의 연출도 정말 일품이였습니다.

​

이 영화를 보면, 뭔가 그냥 영상이 특이합니다

마치, 대학 동아리나 독립 영화나 다큐팀에서 찍은 듯 해서 현장감이 있는 듯한 느낌이 듭니다.

실제로 소니의 6mm 캠코더로 촬영하여, 길거리 공연을 하며 사람들이 이에 호응하는 것이

작위적인 것이 아닌 진짜 호응하는 것이 담겨 더 좋았습니다.

​

-상당히 흥미로운 전개방식-

​

우연히 그녀가 저녁에 지나가다 그가 자작곡을 부르는 걸 들었고,

우연히 그녀의 피아노 연주를 들은 그가 그녀의 재능을 알아보았고,

그렇게 둘은 서로 상부상조 하며 음악을 하며 사이가 가까워집니다.

​

그 후, 그녀와 작업을 하며 돈 문제와 프로듀싱 관련에서 서로 갈등이 없이 그냥 빠르게 해결됩니다.

​

다른 음악영화를 보면,

'비긴 어게인'에선 데이브가 그레타와 연인 관계지만, 음반회사의 직원과 바람을 피고, 둘은 헤어지게 되며, 그레타는 고향으로 돌아가려 합니다.

댄은 원래는 그래미 상을 받을 정도로 유명하고 유능한 프로듀서이지만, 영화에선 퇴물로 묘사되며 회사지분도 넘기고

자신이 세운 회사에서 해고되게 되며, 그러다 그레타의 음악성을 보고 작업을 하게 됩니다.

​

이렇게 다른 영화에선 갈등요소가 있는데, 이 영화는 전혀 없습니다.

​

여기서 유심있게 볼 부분은, 두 남녀는 음악을 제외하곤 서로 접점이 하나도 없습니다.

국적도 아일랜드와 체코로 서로 다르며,

직업과 둘의 사회적 위치도 굳이 트러블이 생길 위치가 아닙니다.

그의 직업은 청소기 수리공이며, 그녀는 그저 직업이 묘사되는 부분은 없습니다.

그는 아일랜드 토박이이며, 그녀는 체코 이민자입니다.

​

서로는 접점이 없으며, 접점이 없다 = 닿는 부분이 없다 = 마찰이 일어나지 않는다

이렇게 도출이 된다고 생각합니다.

​

그래서 서로 닮은 부분도 비슷한 요소도 없는 둘이 친해지며 감정을 갖게 되는 것이

음악 하나로 이루어진다는 것을 표현하고자 한 것 같습니다.

​

그게 더 이 영화의 매력을 극대화 하는 부분이 아닐까 싶습니다.

​

​

-나이를 먹으며 다시 볼 때마다 느끼는 매번 다른 감정-

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이상하게 이 영화를 매년 다시보면,

다 다른 느낌을 받습니다.

초등학생 저학년 시절 이 영화를 보면, 그저 심심하기 짝이 없었고

초등학교 고학년 시절에 봤을 땐, 음악이 좋았다고 생각했고

중학생 시절엔 그저 사랑의 아픔을 음악으로 승화시킨다고 생각했고

고등학교 1~2학년 시절엔 보다 더 현실연인이 헤어지는 듯 했습니다.

지금 다시 보니, 뚜렷한 목표에 다다를수록 무언가 잃는 듯한 느낌이 들었습니다.

​

그와 그녀 둘의 사랑이 이루어지지 못했지만,

그는 뮤지션이 되러 런던에 가듯,

그녀는 가족이 다시 재결합 되듯,

​

여운이 계속 남게 되는 몇 안되는 음악영화 였습니다.

난 당신을 모르지만,

그래서 더욱 당신을 원해요

I don't know you

But I want you

* 본 콘텐츠는 블로거 한이 님의 자료를 받아 씨네랩 팀이 업로드 한 글입니다.

원 게시글은 아래 출처 링크를 통해 확인하실 수 있습니다.

김남길과 손예진 주연의 해적을 정말 재밌게 봤던 터라 이번 영화 <해적: 도깨비 깃발> 역시 괜찮겠거니 했는데 잘못된 기대였다. 영상미와 영화음악은 박진감 넘치고 압도적이었으나 다른 부수적인 것들이 그 재미를 깎아내린 작품이었다.

영화 <해적: 도깨비 깃발> 시놉시스

가자, 보물 찾으러!

해적과 의적, 그리고 역적

사라진 보물! 찾는 자가 주인이다!

자칭 고려 제일검인 의적단 두목 무치와 바다를 평정한 해적선의 주인 해랑. 한 배에서 운명을 함께하게 된 이들이지만 산과 바다, 태생부터 상극으로 사사건건 부딪히며 바람 잘 날 없는 항해를 이어간다. 그러던 어느 날, 왜구선을 소탕하던 이들은 흔적도 없이 사라진 왕실의 보물이 어딘가 숨겨져 있다는 사실을 알게 되고 해적 인생에 다시없을 최대 규모의 보물을 찾아 위험천만한 모험에 나서기 시작한다. 하지만 사라진 보물을 노리는 건 이들뿐만이 아니었으니! 원하는 것을 얻기 위해 수단과 방법을 가리지 않는 역적 부흥수 또한 보물을 차지하기 위해 바다에 뛰어든다.

* 해당 내용은 네이버영화를 참고했습니다.

이 이후로는 영화 <해적: 도깨비 깃발>에 대한 스포일러가 존재합니다.

영화의 분위기 다 살린 bgm과 영상미

음향의 중요성을 다시 일깨워준 영화 <해적: 도깨비 깃발>. 이 작품은 음향이 반을 먹고 들어간 작품이라고 봐도 무방할 정도로 bgm을 잘 쓴 작품이었다. 배우들의 안타까운 연기력을 보면서 산만해질 때마다 긴박함, 웅장함, 서늘함 등 다양한 영화 속 분위기를 자아내고 국악의 다채로운 매력을 영화 속에서 즐길 수 있어서 굉장히 좋았다. 더불어 한국의 CG가 정말 많이 발전했다는 사실도 한 번에 느낄 수 있었다. 해저 지진으로 인해서 바다 속으로 빨려들어갈뻔한 마지막 장면을 보면 손에 땀이 다 날정도로 엄청난 생생함을 안겨주었기 때문이다. 바다라는 특성상 CG작업이 많을 수밖에 없었을텐데 티가 나지 않고 자연스럽게 그 웅장한 바다의 모습을 잘 보여줬다는 점은 칭찬할만했다.

왜 그랬을까,,, 대사 톤이 왜 그럴까

하지만 너무나도 안타까웠던 한효주와 권상우. 한효주의 삑사리 나는 듯한 대사톤과 권상우의 혀짧은 발음이 유독 거슬리는 작품이었다. 정말 차리리 표정 연기와 bgm만 남기고 대사를 다 없애버렸을면 참 좋지 않았을까? 하는 생각이 들 정도로 한효주와 권상우가 입을 열 때마다 몰입이 방해가 돼서 왜 감독을 오케이컷을 했는지 보는 내내 궁금하고 답답했다. 권상우의 발음 문제는 그동안 많이 지적되어 왔던 문제기에 어느정도 감안은 했지만 사실 한효주가 이렇게 대사톤이 어색했다고 느껴본 적은 없었어서 그동안 그렇게 거슬리지는 않았던 것 같은데 왜 이 작품에서 유독 튄다는 느낌을 받을까? 무엇이 문제일까? 영화를 보며 의도치 않은 배우의 연기력에 대해 고심을 했던 순간이었다.

대가리라는 자리가 원래 그래

“단주라고 챙겨주는 거 하나 없잖아! 고생만 다하고!” 번개섬으로 향하는 유일한 길을 아는 막이가 사람들을 향해 단주가 되어서 부려먹기만 하는 선원들을 향해 하는 말이다. 단주 해랑이 막이에게 임시적으로 단주의 자리를 내어주면서 권력욕과 감투욕이 있었던 막이는 세상 행복해한다. 하지만 단주라는 자리는 생각보다 쉬운 것이 아니었다. 단주에 올랐다고 해서 사람드리 무조건 따르고 위신을 세워주는 것도 아니고, 자기 잘난 맛에, 그리고 자신의 이득만 취해서도 안되고, 선원들의 가족까지 생각할 수 있는 넓은 마음을 가지고 있어야 했다. 단주라는 자리만 가지면 자신이 원하는대로 무엇이든 할 수 있을거라 생각했던 막이는 생각보다 넘쳐나는 책임으로 인해 혼란스러워하고 단주자리를 내려놓으려 한다. 그와 반대로 의적대장과 단주였던 무치ㅘ 해랑은 어떤 상황에서도 자신의 부하를 먼저 생각하는 모습을 보여준다. 이런 모습을 보면서 사람들이 따르는 리더는 그 방법이 다를지라도 마음만큼은 자신의 부하들의 안전과 행복을 지극히 바라고 노력한다는 점을 잘 보여준 작품이었다. 리더라는 자리에 대해 다시금 생각해 볼 수 있는 시간이었다.

배우들의 연기력에 한숨이 나오긴 했지만 타임킬링용으로 그리고 영화음악을 즐기는 용도로는 나쁘지 않을 작품 <해적: 도깨비 깃발>. 하지만 개연성이나 연기력이 중요한 분들에게는 딱히 추천하지는 않는 작품이다.

감히, 상상이나 했을까?
<매트릭스, 1999-2003>시리즈 이후 이렇다 할 대표작 없이 표류하고 잊히는 배우가 되어가던 "키아누 리브스"의 <존 윅>은 "하나의 조직을 쓸어버리는 전직 킬러"의 내용을 담은 여느 영화와 다를 게 없었다.
다만, 그 이유에 "애완견(정확하게 사별한 아내가 남긴!)"이었지만 귀여운(?) 동기와 다르게 담아낸 액션은 2010년대를 대표할 만큼 큰 파급력을 남겼다!
그리고, 할리우드를 떠나 모든 속편들이 그렇듯이 <존 윅>도 숫자를 더할수록 몸집이 커졌지만 평가와 반응은 날로 갈수록 뜨겁기만 하다!

전작에서 "최고 회의"와 싸우기로 한 "존 윅"은 최고 회의가 앞세운 "그라몽 후작"과의 대결을 결정한다.
이에 "그라몽 후작"은 "존 윅"의 오랜 동료였던 "케인"을 앞세운다.
고민도 잠시, 자신에게 다가오는 위협에 "존"은 거침없이 총을 드는데...

1. 나도 움직이고 있네?

앞서 말했듯이 (사별한 아내가 남긴) 애완견과 자동차를 시작으로 <존 윅>은 간단한 시놉과 어마어마한 액션을 주 볼거리로 내세운 영화다.
108분이라는 분량에서도 보듯이 머리를 비우는 목적을 둔 작품이나 2편을 시작으로 등장한 "최고 회의"의 존재로 세계관이 넓혀지기 시작한다.
2편의 분량이 122분, 3편이 131분, 그리고 이번 <존 윅 4>가 169분이니 점점 높아만 가는 숫자는 기획부터 정교한 게 아님을 자백한다.
그럼에도, 갈수록 팬들이 열광하는 이유엔 <존 윅>은 이야기를 허투루 하지 않는다는 것이다!

결국, 사람들이 <존 윅>의 관람을 택하는 이유는 "액션"에 있다.
<존 윅>이 나오기 전의 모든 액션 영화들의 패턴을 기억하자면, 카메라를 전부 보여주기보단 부분만을 보여줘 "핸드헬드"와 초점을 흘려낸다.
나름 1인칭 시점으로 보여줘 액션의 박진감을 낸다고는 하나 이는 관객들의 멀미(?) 혹은 어지러움을 만들어낼 뿐이다.
그래서,  1인칭이 아닌 3인칭으로 시점을 둬 모든 행동을 보여주는 <존 윅>에겐  "멀미"는 없겠지만 문제는 멋이 없어지고 만다!

영화와 드라마 혹은 이야기가 있는 작품에 있어 "감정 이입"은 "몰입"을 의미하고, 액션이 주된 작품에서 "몰입"을 어떻게 나타날까?
그건, 나도 모르게 그 장면을 따라 하고 있는 손과 발을 두 눈으로 보고 있는 것으로 <존 윅>의 액션이 바로 이에 속한다!
권총의 파지법부터 "연필"까지 <존 윅>의 모든 액션들은 따라 하고픈 마음보다 행동에 앞서고 만다.
이번 4편의 액션 또한 크게 다르지 않다.

2. 몸에 비해, 마이크 웍은 여전히...

이제는 온전히, 그를 좋아할 수는 없지만 "성룡"의 <취권>은 아파하는 리액션으로 신기원을 만들었다.
이처럼 <존 윅>에서 보여주는 그의 액션은 멋지기도 하면서, 바닥을 기어 다니거나 총알을 다 떨어진 총을 상대에게 집어던지는 현실적인 모습에 묘한 친근감을 느끼게 만든다.
여기, 상대역으로 등장하는 "케인"의 설정부터 "자토이치(맹인검객)"을 연상시켜 어설퍼 보이는 행동과 달리 살벌한 행동들은 묘한 "갭모에"를 일으켜 깊은 인상을 남긴다.

이외에도 "파리 개선문"을 비롯해 "222 계단"까지 시퀀스로 펼치는 액션들은 이번 4편의 기나긴 러닝타임을 깜빡하게 만들 만큼 눈을 휘둥그레지게 만든다.
다만, 아쉬운 점은 캐릭터들 간의 이야기가 없다는 점이다.
아무리, 결말이 정해졌다 한들 "존 윅"이라는 캐릭터와 싸워야 하는 동기가 있어야 그 과정을 흥미진진하게 바라볼 수밖에 없다.
하나 이번 4편에 등장하는 캐릭터들의 이야기는 몸짓에 비해 입씨름은 영 약하기만 하다.

이번 영화에서 상대역과 메인 빌런으로 등장하는 "케인"과 "그라몽 후작"만 하더라도, 인질로 "딸"이 잡혔거나 위협하는 단조로운 모습만을 보여줄 뿐이다.
그리고, "트위너"로 나오는 "노바디"만 하더라도 "존 윅"의 정체성과 같은 애완견에 대한 사고 관념을 재확인할 뿐이다. - 어찌 보면, 세대교체를 염두에 둔 캐스팅일까?
결국, 엔딩에서 보여준 장면 또한 쾌감보다는 쿠키와 함께 넓혀지는 세계관만을 확인하는 것 말고는 없었다.

· tmi. 1 - 쿠키 영상 1개가 있다!
· tmi. 2 - 당초 4편은 5편과 함께 제작되었으나 현재, 5편에 대한 제작은 보류 중이다.
· tmi. 3 - 공개 예정 중인 <발레리나>는 본편 3편과 4편 사이의 "인터퀄"이며, 드라마 <콘티넨탈>은 "윈스턴"의 젊었을 적 시절을 담아낼 예정이다.

날씨도 덥고, 움직이기도 싫은 날씨에 영화관 가기도 꺼려지시나요? 

저는 사회적 거리두기 4단계가 되었지만, 

개봉 예정 영화들이 많아서 일주일에 한 번은 영화관을 가려고합니다. 

요즘은 다시 관객 수가 늘어나는 추세지만, 코로나19로 인하여 천만 영화를 보기는 하늘의 별따기죠. 

예전 극장 북적임이 그립고,

천만 영화가 그리운 분들을 위해 넷플릭스에서 볼 수 있는 천만 영화를 가지고 왔습니다! 

보면서 코로나19 사태가 어서 안정되어 새로운 천만 영화가 나오는 것을 기대하며, 같이 보시죠!

1. 극한직업 - 이병헌 ( 2018) 

누적 관객 수 : 16,266,338명

"불철주야 달리고 구르지만 실적은 바닥, 급기야 해체 위기를 맞는 마약반!

더 이상 물러설 곳이 없는 팀의 맏형 고반장은 국제 범죄조직의 국내 마약 밀반입 정황을 포착하고

장형사, 마형사, 영호, 재훈까지 4명의 팀원들과 함께 잠복 수사에 나선다.

마약반은 24시간 감시를 위해 범죄조직의 아지트 앞 치킨집을 인수해 위장 창업을 하게 되고,

뜻밖의 절대미각을 지닌 마형사의 숨은 재능으로 치킨집은 일약 맛집으로 입소문이 나기 시작한다.

수사는 뒷전, 치킨장사로 눈코 뜰 새 없이 바빠진 마약반에게 어느 날 절호의 기회가 찾아오는데…

범인을 잡을 것인가, 닭을 잡을 것인가!"

2. 국제시장 - 윤제균 (2014) 

누적 관객 수 : 14,263,980명

"1950년대 한국전쟁 이후로부터 현재에 이르기까지 격변의 시대를 관통하며 살아온 우리 시대 아버지 ‘덕수’(황정민 분), 그는 하고 싶은 것도 되고 싶은 것도 많았지만 평생 단 한번도 자신을 위해 살아본 적이 없다. ‘괜찮다’ 웃어 보이고 ‘다행이다’ 눈물 훔치며 힘들었던 그때 그 시절, 오직 가족을 위해 굳세게 살아온 우리들의 아버지 이야기가 지금부터 시작된다."

3. 베테랑 - 류승완 (2015) 

누적 관객 수 : 13,414,484명

" 한 번 꽂힌 것은 무조건 끝을 보는 행동파 ‘서도철’(황정민),

20년 경력의 승부사 ‘오팀장’(오달수), 위장 전문 홍일점 ‘미스봉’(장윤주), 

육체파 ‘왕형사’(오대환), 막내 ‘윤형사’(김시후)까지 

겁 없고, 못 잡는 것 없고, 봐 주는 것 없는 특수 강력사건 담당 광역수사대.

오랫동안 쫓던 대형 범죄를 해결한 후 숨을 돌리려는 찰나, 

서도철은 재벌 3세 ‘조태오’(유아인)를 만나게 된다. 

세상 무서울 것 없는 안하무인의 조태오와 언제나 그의 곁을 지키는 오른팔 ‘최상무’(유해진). 

서도철은 의문의 사건을 쫓던 중 그들이 사건의 배후에 있음을 직감한다. 

건들면 다친다는 충고에도 불구하고 포기하지 않는 서도철의 집념에

판은 걷잡을 수 없이 커져가고 

조태오는 이를 비웃기라도 하듯 유유히 포위망을 빠져 나가는데… "

4. 인터스텔라 - 크리스토퍼 놀란 (2014) 

누적 관객 수: 10,326,240명

" 세계 각국의 정부와 경제가 완전히 붕괴된 미래가 다가온다. 

지난 20세기에 범한 잘못이 전 세계적인 식량 부족을 불러왔고, NASA도 해체되었다. 

이때 시공간에 불가사의한 틈이 열리고, 남은 자들에게는 이 곳을 탐험해 인류를 구해야 하는 임무가 지워진다.

사랑하는 가족들을 뒤로 한 채 인류라는 더 큰 가족을 위해, 그들은 이제 희망을 찾아 우주로 간다.

그리고 우린 답을 찾을 것이다. 늘 그랬듯이…"

5. 왕의 남자 - 이준익 (2005) 

누적 관객 수: 10,514,177명

" 조선시대 연산조. 남사당패의 광대 장생(감우성 분)은 힘있는 양반들에게 농락당하던 생활을 거부하고,

자신의 하나뿐인 친구이자 최고의 동료인 공길(이준기 분)과 보다 큰 놀이판을 찾아 한양으로 올라온다.

타고난 재주와 카리스마로 놀이패 무리를 이끌게 된 장생은 공길과 함께

연산(정진영 분)과 그의 애첩인 녹수(강성연 분)를 풍자하는 놀이판을 벌여 한양의 명물이 된다.

공연은 대성공을 이루지만, 그들은 왕을 희롱한 죄로 의금부로 끌려간다.

이들의 공연에 흡족한 왕은 궁 내에 광대들의 거처, 희락원(喜樂園)을 마련해 준다.

궁에 들어온 광대들은 신바람이 나서 탐관오리의 비리를 풍자하는 공연을 선보이고, 왕은 즐거워한다.

하지만 중신들의 분위기가 싸늘함을 감지한 왕이

중신 중 한 명을 웃지 않는다며 탐관오리라는 명목으로 형벌을 내리고 연회장엔 긴장감이 감돈다.

연이은 연회에서 광대들은 여인들의 암투로 인해 왕이 후궁에게 사약을 내리는 경극을 연기하고,

연산은 같은 이유로 왕에게 사약을 받았던 생모 폐비 윤씨를 상기하며 진노하여

그 자리에서 선왕의 여자들을 칼로 베어 죽게 한다.

공연을 할 때마다 궁이 피바다로 변하자,

흥을 잃은 장생은 궁을 떠나겠다고 하지만 공길은 알 수 없는 이유로 남겠다고 한다.

그 사이 왕에 반발한 중신들은 광대를 쫓기 위한 음모를 꾸미고

왕의 관심을 광대에게 빼앗겼다는 질투심에 휩싸인 녹수 역시 은밀한 계략을 꾸민다."

씨네랩 에디터 Ria

*스포일러가 있습니다. 

감독] 카롤린 링 Karoline Lyngbye

출연] 미켈 폴스라르 Mikkel Boe FØLSGAARD, 마리 바크 한센 Marie BACH HANSEN

시놉시스 

스틴과 타이트는 어린 아들 네모와 함께 코펜하겐의 도시 생활을 떠나 스웨덴의 한 고립된 숲으로 향하고, 그곳에서의 삶을 팟캐스트 녹음을 통해 기록하며 자신들의 진정한 모습을 찾고자 한다. 그러던 중 자신들과 똑같은 모습의 커플을 호수 건너편에서 발견하고, 곧 원한과 이기심, 욕망으로 뒤덮인 자신들의 자아와 마주하게 된다.

도플갱어를 마주한다면?

독일에서 기원한 미신 '도플갱어(Doppelgänger)'. '나'와 똑같은 사람이 존재하며, 그 사람을 만나면 자신은 죽는다는 내용으로 유명하다. 괴테도 자기랑 똑 닮은 사람을 본 적이 있다고 말한 적이 있을 정도다. 그 외에도 다양한 전승이 있지만, 핵심은 도플갱어를 만나는 게 악운의 전조라는 점이다. 

사실 현실적으로 도플갱어는 존재할 수 없다. 생김새부터 DNA까지 전부 같은 사람이 존재할 가능성은 과학적으로 0.1%가 채 되지 않는다. 만에 하나 자기랑 똑같이 생긴 사람을 본다 하더라도 이는 정신 질환 증상이라고 보는 게 더 합리적이다. 하지만 오히려 그렇기에 도플갱어는 두려움의 대상이다. 존재할 수 없는 존재를 봤다는 공포와 내가 미쳐버린 게 아닌가 하는 두려움이 나를 감쌀 테니. 

카롤린 링비의 장편영화 데뷔작 <수퍼포지션>은 그 공포와 두려움을 물고 늘어진다. 이 감정을 철저히 해부한다. '나와 똑같은 사람, 내 남편과 똑같은 남자, 내 아들과 똑같은 아이가 이 세상에 존재한다면...?'이라는 오싹한 상상을 원동력 삼아 굳건히 나아간다. 이 접근법은 생각보다 신선하다. 원초적인 감정에 충실히 몰두할 뿐, 좀처럼 딴 길로 새지 않기 때문이다. 

호수가 두려운 이유

<수퍼포지션>의 지향점은 첫 장면부터 드러난다. 영화는 아름다운 풍경으로 시작한다. 북유럽 특유의 길고 가는 삼림이 둘러싼 호수가 스크린을 가득 채운다. 그런데 조금 이상하다. 호수를 보는 듯한데 모양이 평소와 다르다. 파란 하늘이 왼쪽, 호수가 오른쪽에 있다. 위아래가 아니라. 화면은 마치 데칼코마니 같다. 잔잔한 호수에 하늘이 비치면서 좌우가 똑같은 모습을 보여준다. 

특히 호수의 역할이 흥미롭다. 첫 장면 이후 호수는 한동안 아무 일도 안 한다. 스틴과 타이트가 지내는 집의 예쁜 배경을 할 뿐이다. 그러나 스틴이 호수 건너편에서 자기 가족 외의 다른 사람을 발견하자 호수에게는 새로운 역할이 생긴다. 도플갱어가 있다는 의심. 곧 두려움이다. 

이에 더해 영화는 호수를 다른 이미지로 끊임없이 바꿔낸다. 유리창이 대표적이다. 일가족이 숲 속 집에 들어설 때, 그들이 집 안에서 요리하거나 글을 쓸 때, 싸우는 순간까지. 카메라는 주인공과 주인공이 반사되어 비치는 모습을 같이 중심에 둔다. 그 덕분에 알 수 없는 호수의 두려움은 손쉽게 영화 전반으로 전염된다. 이는 도플갱어의 존재를 인지하기까지 초중반부의 흐름이 상당히 강한 흡인력을 자랑하는 이유다. 

도플갱어의 진짜 의미

여기서 한 가지 의문이 생긴다. 나와 똑같은 사람이 있을지도 모른다는 의심. 그 때문에 두려울 수 있다. 자연스러운 감정이다. 그런데 정확히 무엇이 두려운 걸까? 영화는 호수가 잠시 역할을 하지 않는 사이에 그 답을 미리 일러준다. 영화 전반을 사로잡은 두려움은 단순히 도플갱어 때문이 아니다. 도플갱어를 만나 알 수도 있는 답 때문이다. 바로 자기 자신에 관한 진실이다. 

첫 팟캐스트 녹음 때부터 스틴과 타이트는 계속해서 갈등을 빚는다. 이번 기회에 서로에게 솔직해지자는 부부. 그러나 그 솔직함의 의미가 다르다. 스틴은 알몸을 보여주듯이 솔직해져야 한다고 말한다. 반대로 타이트는 필요한 일에 한해서만 솔직하면 된다고 말한다. 이 갈등은 점점 커지고, 서로를 비난한다. 서로 무책임한 남편과 아내라고. 

이때 도플갱어의 등장은 거울을 보는 것과 같다. 지금 자기 모습이 어떤지, 부부 관계는 어떠한지, 아이에게는 어떤 부모인지 객관적으로 관찰할 수 있는 기회다. 처음에 서로를 경계하던 도플갱어 부부가 싸우는 대신 서로 대화를 나누며 인생을 공유하는 이유다. 

더 나아가 자기 모습을 보고 생각을 바꾼 사람과 자기 모습을 고집하는 사람의 운명이 갈리는 이유다. 거울을 보고 진짜 솔직해질 수 있는지, 아니면 그 거울에 비친 모습까지도 왜곡하며 외면할지. 자기 과오와 결점까지도 끌어안고 살아갈 용기가 있는지 없는지. <수퍼포지션>이 진정으로 말하고 싶은 메시지다. 

다소 빛이 바랜 도전

아쉽게도 <수퍼포지션>은 초중반부의 흡입력을 마지막까지 유지하지 못한다. 이유는 두 개다. 외적 요인과 내적 요인이 있다. 우선 소재와 접근법의 참신함이 빛날 수 있는 환경이 아니다. 물론 도플갱어와 거울의 이미지를 활용해 주인공의 심리를 파헤친다는 접근 자체는 충분히 시도할 수 있는, 좋은 소재다. 

문제는 최근 들어 멀티버스 소재를 꺼내든 영화가 너무 많다는 것. 멀티버스 영화도 대부분 '또 다른 나'와의 만남을 통해 주인공의 인생을 들여다보기 때문이다. 이런 상황에서 <수퍼포지션>의 도플갱어 이야기가 자기만의 한 방이 있느냐고 묻는다면 아쉬움이 남을 수밖에 없다. 

이에 더해 굳이 설명을 덧대는 약간의 욕심도 아쉽다. 영화는 도플갱어끼리 만난 이후에 상황을 해석하려 한다. 타이트는 자기가 미친 거라는 의견을 내기도 한다. 그러다가 하나의 답이 도출된다. '중첩'이라고 해석할 수 있는 제목 '수퍼포지션'이다. 평행세계가 겹쳐진 결과 도플갱어끼리 만나는 상황이 생겼다는 설정이다. 

그러나 이 설정 때문에 영화의 개성은 희석된다. <수퍼포지션>의 최대 장점 중 하나는 일반적인 멀티버스 영화와는 달리 스릴러 내지 호러 영화의 분위기를 끌고 간다는 점이다. 명확한 설명 없이 도플갱어를 일종의 미스터리로 남겨두었기에 가능한 일이다. 또 북유럽, 그것도 숲 속을 배경으로 삼다 보니 유달리 스산한 느낌이 들기도 한다. 그런데 일종의 설명, 특히나 SF적인 설정이 붙어 버리니 본래 분위기나 색깔은 약해지고 만다. 

Acceptable 무난함

고요한 호수를 넘나들며 펼쳐지는 나와 나의 싸움

상영 일정

7/2  17:00 - 18:45 CGV소풍 9관

7/6  19:30 - 21:15 부천시청 어울마당

의무를 따르는 것과 가슴을 따르는 것. 둘 중에 무엇을 선택해야 할까? 사교계에 또 한 번의 스캔들이 불어온다. 《브리저튼》 시즌 2, 3월 최초 공개. 오직 넷플릭스에서. 

[2021년 4월 14일, 넷플릭스 공개]

돌연변이 괴물들이 지구를 덮치고 7년이 지났다.

살아남은 인류는 지하에 숨어 목숨을 부지해야만 했다.

그렇게 버텨온 조엘 도슨(딜런 오브라이언).

그가 무전을 통해 고등학교 시절 여자 친구 에이미와 다시 연결된다.

그리고 여전한 자신의 사랑을 확인한다.

그녀와의 거리 135킬로미터. 이 지하 벙커에 그를 붙잡을 거라곤 아무것도 남아있지 않다.

어떤 위험이 있더라도 에이미를 다시 만나고 싶다.

그렇게 조엘은 해안을 향해 떠난다.

사랑을 찾아, 희망을 찾아.