안녕하세요! 씨네랩입니다. 

오늘은 깊은 메시지가 안에 담긴 B급 영화,

총 여섯 편을 추천드릴까 합니다.

그럼, 지금부터 씨네랩이 추천하는 B급 영화 모음집!

시작해보도록 하겠습니다 ٩( ᐛ )و 

거북이는 의외로 빨리 헤엄친다

ⓒ 네이버 영화

synopsis 

평범하다 못해 어중간한 삶을 살고 있는 주부 스즈메는 무서울 정도로 단순한 일상 

속에서 어느 날, ‘스파이 모집’ 광고를 발견한다. 무심코 전화를 해버린 그녀는 뻔한 

일상에서 벗어나게 된다.

cine pick!

평범한 주인공 스즈메가 우연히 스파이로 활동하게 되면서 벌어지는 이야기를 그린

영화는 '뻔한 일상에도 아직 알지못하는 다른 세계가 있고 그것을 알게 됨으로써 

조금은 행복해질 수 있다'는 메시지를 담고 있다.

지구를 지켜라

ⓒ 네이버 영화 

synopsis 

외계인으로 인해 지구가 위험에 처할 거라고 믿는 병구는 재앙을 막기 위해 이번 개기월식까지

안드로메다 왕자를 만나야만 한다. 

cine pick!

사회의 대한 풍자를 영화에 녹인 <지구를 지켜라>는 당시에는 흥행하지 못한 채, 

평론가들에게만 호평을 받았었는데 수작이라는 입소문을 타며 현재까지도 많은 이들

사이에서 회자되는 작품이다.

족구왕

ⓒ 네이버 영화 

synopsis 

식품영양학과 복학생 만섭은 캠퍼스 퀸 안나의 남자친구 강민을 족구 한 판으로 무릎 꿇게 

만든다. 만섭은 순식간에 교내 히어로가 되고, 취업준비장같이 지루하던 캠퍼스는 족구 

열풍에 휩싸인다.

cine pick!

B급 감성에 코미디, 청춘 로맨스 장르의 <족구왕>은 그 안에 대학생들의 현실을

풍자하는 깊은 메시지를 담으며, 많은 이들의 공감을 불러일으켰다.

불량 공주 모모코

ⓒ 네이버 영화 

synopsis 

삶에서 드레스가 제일 중요한 모모코는 짝퉁 명품을 팔아오던 유일한 물주인 아빠가 실직하게

되자, 직접 돈을 벌기 위해 집안의 유일한 재산인 짝퉁 베르사치의 판매책으로 나서게 된다. 

cine pick!

<혐오스런 마츠코의 일생>을 연출한 감독의 작품 <불량 공주 모모코>는 재기발랄함이 가득

담긴 영화이다. 의상 보는 재미와 예쁜 영상미로 눈이 재밌는 영화이다.

주식회사 스페셜액터스

ⓒ 네이버 영화 

synopsis 

고민해결사무소 ‘스페셜액터스’에 들어가게 된 배우 지망생 카즈토가 사이비 종교 단체의 

비밀을 파헤치면서 벌어지는 이야기를 그린 맞춤 위장 코미디.

cine pick!

일본 B급 영화로 유명한 <카메라를 멈추면 안 돼!>의 우에다 신이치로 감독의 작품이다.

영화는 B급 감성 안에서 가족애를 보여주며 감동과 위로를 준다.

지옥의 화원

ⓒ 네이버 영화

synopsis 

압도적 격투 능력만 있다면 최강의 여직원으로 칭송 받는 세계, 평범한 회사원이었던 나오코가

싸움에 휘말리게 되며 벌어지는 이야기를 그린 오피스 코믹 액션  

cine pick!

부천국제판타스틱영화제에서 첫 공개 후 독특한 설정과 재미로 뜨거운 반응을 일으킨 

작품이다. 오피스물인만큼 많은 직장인들의 공감을 불러일으킬 것으로 보인다.

씨네랩 에디터 Hizy

  오래 품은 소원에는 힘이 있다. 흩어지지도 해지지도 않고, 모양을 오래도록 유지했다는 그 자체로. 그 끝에 이루어진 소원은 거의 성공 신화가 된다.

  그만큼 쉽지 않으니까. 소원이라는 단어는 얼핏 강해 보이지만 현실이 되기 전까지는 흐릿한 안개 같다. 흐지부지 밀려나기도 하고, 세파에 깨지기도 하고, 문득 스스로 폐기할 수도 있다. 오래 품은 소원을 이룬다는 것은 뚝심과 에너지, 자기 확신은 물론 행운까지 있어야 가능한 일이다.

  그렇게 이룬 이야기에는 거의 마법에 준하는 힘이 있다. 무심코 떠오른 강렬한 생각 하나를 한참 바라본 끝에 확장한 소설 <작은 땅의 야수들>처럼, 남들에게 인정받는 과정을 거쳐야 했지만 끝내 꿈꾸던 장면을 만들어낸 영화 <라라랜드>처럼.

  그런데 <매드 맥스> 시리즈로 이미 반열에 오른 조지 밀러 감독에게도 그런 숙성의 시간이 필요했나 보다. 20년 전 읽은 단편소설을 토대로 빚은 영화를 마침내 가지고 왔는데, 공교롭게도 소원을 소재로 한 이야기다.

  세상 모든 이야기를 섭렵한 서사학자 알리테아(틸다 스윈튼)가 학술 대회 차 방문한 튀르키예에서 기념품으로 작은 병을 구입한다. 그런데 별안간 병에서 지니가 튀어나오고, 세 가지 소원을 묻는다. 알리테아는 이런 이야기의 위험성을 누구보다 잘 안다며 거절하려 하지만, 지니는 알리테아를 설득하기 위해 자신이 세 번이나 병에 갇히게 되었던 이야기를 들려준다. 이건 환상일까 진실일까? 이야기는 크게 지니의 이야기 세 편과, 알레티아의 세 가지 소원 두 가지 축으로 굴러간다고 볼 수 있다.

과학이 이야기를 만날 때

  영화는 튀르키예로 이동하는 비행기 안의 알리테아에서 시작한다. 오래전 이야기들처럼 ‘옛날 옛적에…’ 식의 내레이션으로 시작하는데, 무미건조한 현대 사회 풍경을 묘사하는 문장들에 전혀 다른 색을 입혀, 마치 다른 시공의 이야기처럼 들린다. 공항에서 내려 발걸음을 옮기는 알리테아를 봐도, 온통 무채색 옷을 입은 사람 중 유일하게 다른 색깔 옷을 입은 사람이다.

  서사학자로 학회 발표 자리에 선 알리테아는 정작 이야기가 이야기일 뿐이라는 듯한 태도를 취하는데, 일상의 태도를 보면 사실은 이야기 그 자체인 사람이라 물건을 고르는 기준조차 세간의 가치보다는 이야기가 묻어나는 지 여부를 본다. 빈티지 물건들이 다시 사랑받는 세상, 알리테아와 같은 이들은 여전히 꽤 많아 보인다. 이 영화는 그런 사람들이 좋아할 영화다. 작은 물건 하나에 깃든 이야기로 기뻐하는.

  그런 점에서 이야기가 시작되는 장소가 튀르키예인 점은 매우 적절하다. 행정 수도로 기획된 도시 앙카라 말고, 천년 고도 이스탄불이어야 한다. 오래된 도시에는 골목마다 이야기가 숨어 있으니까. 벽면에도, 발코니에도, 옛 연인의 단꿈이나 누군가의 한숨, 피, 배신, 눈물 같은 것들이 속속들이 배어 있으니까.

  더없이 적절한 풍경에서 알리테아와 지니는 만나고, 두 사람 사이에 오가는 이야기에 의존해 영화는 진행된다. 지니의 이야기 속에는 다양한 시대가 등장한다. 시바 여왕의 시대, 오스만 제국의 시대, 제피르라는 여자가 살았던 중동의 어느 시공간까지. 각 시대는 역사적 사실에 상상력을 뒤섞어 매끄럽게 연출되어 있어, 눈과 귀에 화려하게 감긴다. (이 영화를 극장에서 보아야 하는 이유다)

  실제 역사에 마법이 존재하던 시대 같은 것은 없지만, 그저 꿈에 불과하지만, 지니의 이야기 속 세계는 마치 "옛날 먼 옛날 어딘가"에는 마법이 존재했을 것만 같아 보인다. 생각해 보면 이야기란 원래 존재였다. 아직 식량 생산이 충분하지 않고 전쟁과 기아가 코앞에 있던 그 옛날에도 사람들은 황금빛 이야기를 통해 괴로움과 척박함 속에서 살아 버텼을 것이다. 병 속의 지니처럼.

  불안한 미지의 세계에서 이야기는 우리가 가진 유일한 힘이었다. 설명할 수 없는 것을 설명하고, 이해할 수 없는 것을 이해하기 위해 인간은 이야기를 했다. 그렇다면 과학이 발달한 지금, 과학은 이야기를 대체했는가? 어떤 설명은 과학에게 자리를 내주었겠지만, 여전히 이야기는 나름의 자리를 차지하고 있다.

  자기 이야기는 별로 없다는 알리테아에게 지니는 정색하고 말한다. It’s always a story. 우리의 삶은 언제나 이야기일 수밖에 없다. 어떻게 써내려 가고 어떤 식으로 편집할지 차이가 있을 뿐, 이야기가 아닐 수는 없다. 삶의 이야기, 그것은 과학이 대체할 수 없는 이야기의 영역이다.

  애당초 이야기와 과학은 서로 배척하는 단어가 아니라 연결된 별개의 무언가이다. 지니의 이야기 속 제피르를 보아도, 최초의 영화와 상당히 닮은 것을 만들어냈다. 이야기와 과학이 만나는 지점에 영화도 있고 인간도 있는 것이다.

인간이 이야기를 만날 때

  알리테아는 자기 이야기를 쓰기보다는 수많은 이야기를 읽고 파악하고, 요약하고 정리하여 갈래로 기억하는 사람이다. 떠나버린 사람의 기억은 상자 하나에 말끔하게 담아 넣고, 상처로 기억되는 순간들도 담담하게 축소해서 기술한다.

  반면 이야기를 풍성하게 풀어내는 지니는 상대적으로 더 인간 같다. 소원을 들어주는 정령이라 하나, 전지전능한 존재는 아니다. 더 강한 존재에게 붙잡히기도 하고, 미래도 모른다. 한 치 앞도 모르고 갈망하는 존재, 그것이 인간다운 것임을 깨닫게 한다.

  바로 이 지점에 이야기의 매력이 있다. 사실 세 가지 소원에 대한 이야기는 알리테아가 말하듯 흔한 장르다. 우리도 어릴 때부터 여러 가지 이야기를 들었다. 그런데도 이토록 오래된 이야기가 여전히 흡입력을 갖는 이유는 거기에 갈망이 있기 때문이다.

  세 가지 소원이란 결국 마음이 진정으로 갈망하는 게 무엇인지 깊이 들여다보아야만 알 수 있는 질문이다. 한 가지도 아니고 세 가지라는 점에서 더욱 세밀하게 속내를 드러낸다. 위험을 느끼면서도 끝내 손을 뻗게 만드는 것, 그 손끝에 무엇이 닿을지 집중하고 보게 되는 것. 마음이 편하기보다 외줄 타기를 바라보는 것처럼 위태롭다. 어쩌면 괴로울 수도 있을 것이다.

  이야기를 사랑하은 지니 또한 이야기를 괴로워한다. "희망은 괴물 같고, 이야기는 희망의 노리개"라는 그의 대사에서, 우리의 이 괴로운 갈망 끝에 무엇이 있는지 보인다. 이야기는, 이야기를 통해 인간은 끝내 희망을 찾아 헤매 온 것이었다.

  절망의 중심을 직시하면서도, 보이지 않는 희망의 한 갈래 길을 찾는 것. 이야기는 이야기를 믿는 인간에게만 그렇게 존재한다. 그냥 인간이 그렇다. 인정 없이는, 사랑 없이는, 대화 없이는, 그래서 그것들로 희망을 바라보지 않고서는 이 어둠을 헤치고 살아갈 길을 알지 못한다. 힘들어 죽겠는데 한 번 더 무릎을 펴게 만드는 것이 "괴물 같"은 희망. 포기할 수도 나아갈 수도 없는 지점에서 한 걸음 더 나아가게 하는 것. 이야기는 그래서 존재한다.

  이 점은 현대 사회가 이야기로부터 얼마나 멀어져 있는지 깨닫게 한다. 이야기조차 그저 지식의 파편으로 간주하며, 재산화되어야 가치가 있다고 판단하는 세상. 이야기는 갈망의 산지가 아니라 무수한 심심풀이 도구 중 하나로 간주되어 간다. 화려한 보석 같던 이야기들이 이제는 굴러다니는 돌이 된다.

  현대 사회는 이야기의 찬란한 빛이 많이 감춰진 시대다. 사람들은 “콘텐츠를 소비”하지 “이야기를 듣”거나 ”영화를 보”거나 “책을 읽”지 않는다. 괴로워도 희망을 향하기보다, 그저 아는 절망을 늘어놓으며 절망을 절망의 핑계로 삼는 게으른 창작도 "콘텐츠"로 훌륭하게 기능하는 시대가 되었다. 지식과 이야기의 의미는 변한다.

 옛날 같았다면 환영받았을, 이야기가 풍요로운 땅에서 온 이들은 불청객 취급을 받고 있다. 알리테아가 사는 런던의 길거리에도 터번을 쓴 남자와 차도르를 두른 여자가 돌아다니는 세상인데, 알리테아의 이웃집 할머니들은 자기네 문화권이 아닌 이야기를 찾아 다닌다며 알리테아를 못마땅해 한다. 이들은 모른다. 자신들의 조상이 게으르게 그려낸 이야기가 그들의 절망에 기여했다는 걸. 아니었다면 그들은 지금쯤 전혀 다른 이야기를 쓰고 있었을지도 모른다는 걸.

그리고 마침내 우리가 만날 때

그러나 이 척박해 보이는 시대에도 시간을 들이고 공을 들여, 여전히 이야기를 들이마시는 사람들이 있다.

  이야기로 의미를 찾고 위로를 받는 사람들이 있다. 삶의 어떤 부재 가운데서도 그 위로를 찾아 버틸 수 있는 사람. 이를 위해 이야기 끝을 뾰족하게 다듬고 섬세하게 방향을 잡는 사람. 괴로워도 포기하지 않는 사람. 심지어 이야기를 사랑하다 못해 이야기의 일부가 되고 마는 사람들이 있다. 가끔은 광인처럼 보일 수도 있다.

  알리테아의 이야기도 그렇다. 사실 모든 이야기는 진실인 동시에 광기이다.

  그래서일까. 이야기를 찾아다니는 사람들은 서로를 알아본다. 아무에게도 보이지 않는 존재처럼 방황한다 해도, 언젠가 어떤 이야기와 반드시 공명할 것이다. 그 이야기를 통해 마주친 누군가의 눈이 반드시 알아볼 것이다.

  그때까지 우리는 살아 버텨야 한다. 극장의 어둠 속에서 기꺼이 기립근에 힘을 주고 끝도 없이 영화를 보며, 나의 영혼에 다정하게 공명할 이야기를 기다리는 것이다. 거기서 우리는 마침내 만날 것이다. 그리고 말하겠지. “And yet here you are, my Impossible.”

*온라인 무비 매거진 '씨네랩'을 통해 시사회에 초청받아 감상 후 작성하였습니다. 영화의 개봉일은 2023년 1월 4일입니다.

영화 <도어락>의 시놉시스를 보면서 도대체 여자 혼자 사는 집에 남자가 몰래 들어와 산다는 설정에 소름이 끼치기도 하고, 불쾌하기도 하고, 세상엔 정말 다양한 사람들이 존재한다는 걸 다시 한 번 깨닫기고 하면서 왜 저렇게까지 여심히 다른 사람의 집에 들어가서 살려고 하는지 이해가 아되기도 하고 참 여러 가지 생각이 들었다.

영화 <도어락> 시놉시스

오피스텔에 혼자 살고 있는 평범한 직장인 경민. 퇴근 후 집에 돌아온 경민은 원룸의 도어락 덮개가 열려있는 것을 발견한다. 불안한 마음에 도어락 비밀번호를 변경해보지만 그날 밤, 잠들기 전 문 밖에서 들리는 소리. '삐-삐-삐-삐- 잘못 누르셨습니다' 

공포감에 휩싸인 경민은 경찰에 신고를 하지만 그들은 경민의 잦은 신고를 귀찮아 할 뿐, 대수롭지 않게 여긴다. 그리고 얼마 뒤, 경민의 원룸에서 낯선 사람의 침입 흔적과 함께 의문의 살인 사건이 발생하고 자신도 안전하지 않음을 직감한 경민은 직접 사건의 실체를 쫓게 된다.열려 있는 도어락 덮개, 지문으로 뒤덮인 키패드, 현관 앞 담배꽁초, 혼자 사는 원룸, 이곳에 누군가 숨어있다.

* 해당 내용은 네이버영화를 참고했습니다.
이 이후로는 영화 <도어락>에 대한 스포일러가 존재합니다.

현실감 있는 공포를 그리다

대부분의 주거공간에서 사용되고 있는 도어락. 보편적인 소재를 가지고 스릴러를 만들어냈다는 것 자체가 영화를 보는 나에게 있어서 어쩌면 저 일이 나에게도 일어날 수 있겠구나 하는 공포감을 주기에 충분했다. 심지어 영화를 보고 며칠 후 토익시험을 보러 아침에 나가려고 하는데 문이 열려 있어가지고 누가 들어와서 숨은 건 아닌지,, 집안에서의 동선을 되짚어보기도 했었다. 물론 내가 잠금설정을 까먹고 안해놓은 것이었다. 

친구의 자취방에서 누가 현관문을 쿵쿵쿵 두드리는 걸 함께 경험한 적도 있었고, 야밤에 술드시고 집 위치를 잘못 찾아서 내 집 도어락에서 비밀번호를 계속 누르다가 안 열린다고 화를 낸 이웃 주민 분도 계셨고,,, 그 당시에는 뭐야? 왜 저래? 대수롭지 않게 넘겼지만 그 때 만약 이 영화를 보고 난 뒤였다면 엄청 무서웠을 것 같다는 생각이 들었다. 영화 속 장면들 중 일부는 한 번씩은 경험해 본 일이다보니 더욱 현실감 있게 다가와서 그 공포가 더 심했던 것 같다.

그런데 왜 혼자 범인을 쫓을까?

굉장히 현실적인 공포를 잘 조성한 것은 사실이다. 하지만 캐릭터가 굉장히 고전적이라는 아쉬움이 남는 작품이었다. 왜 영화 속에 나오는 피해자들은 항상 공권력의 도움을 받지 못하며 혼자 고난을 헤쳐나가야 하는 것일까? 그리고 왜 항상 이런 영화에서 경찰들은 무의미하게 능력이 없는 존재로 나오는 것일까?

그러한 캐릭터 설정이 이곳저곳에 아주 많이 봐왔기에 너무나도 익숙한 설정이어서 머리 속에서 자연스럽게 3초 스포가 진행되면서 분위기는 공포공포 스릴러스릴러 이긴 한데 머리는 이미 다 알고 있었다. “저 집 비밀번호 공효진 네 집 비밀번호랑 똑같겠다”, “꼭 이럴 때 친구는 전화를 안 받지”, “지금쯤 핸드폰 벨소리가 울려줘야지” 생각대로 이뤄지는 요술램프도 아니고 생각한 그대로 스토리가 진행된다.

그런 의미에서 원작을 봐야할까?

영화 리뷰를 올리려고 검색을 하다보니 영화 <도어락>은 원작이 있는 작품이었다. 스페인 영화 <슬립타이트>를 원작으로 하는 작품인데 이 영화는 피해자에 초점을 맞춘 것이 아니라 가해를 중심으로 사건이 돌아가고 있었다. 한국 영화로 재창작되면서 시점도 변화하고 캐릭터 설정도 많이 바뀐 것 같은데 영화 <도어락>은 전형적으로 한국 영화가 가지고 있는 캐릭터 문법을 벗어나지 못해서 개연성 부족이라는 평을 들은 것이 아닐까 하는 생각이 들었다. 

개연성이 부족했던 것은 사실이지만 실생활에서 한번쯤은 겪을 법한 소재로 영화를 만들어서 꽤나 공포감을 선사한 것은 사실이었다. 스토리 전개가 엉망이라고 욕을 하는 사람들도 이 영화가 끝나면 집을 한 번 둘러보고 비밀번호도 다시 한 번 체크해보지 않을까 싶다.

영화 <도어락>은 현실의 공포를 잘 풀어냈지만 개연성 부분에서는 아쉬웠던 작품이었다.

유전을 다시 보게 되었다. 대낮에 졸린 상태인 다섯이서 좋지 않은 화질과 음질로 보긴 했지만, 두 시간 내내 긴장이 풀리지 않는 상태로 영화를 봤다. 

역시 다시 봐도 이 영화는 깜짝 놀라게 하는 영화가 아니고 영화 내내 이어지는 불쾌감과 긴장을 후반에 극대화시키는 영화인 것 같다. (이후 스포일러)

출처: 넷플릭스

영화를 보면서 나홍진 감독의 곡성과 비슷하다는 느낌을 받았다. 등장인물들이 스스로 감당할 수 없는 초자연적인 현상에 직면해 벗어나기 위해 몸부림치지만 결국 파멸로 이어진다는 이야기의 흐름 때문이었다. 곡성에서는 '뭣이 중헌디'라는 대사로 대표되는 무지가 핵심이었다면 유전은 거부할 수 없는 운명 그 자체가 중심이 되는 이야기라고 생각한다. 같은 오컬트 공포 영화인 랑종과 비교하면 유전은 초자연적인 부분보다는 악마 숭배자 조직과 관련된 반전, 가족은 선택할 수 없다는 주제의식이 더 강조되었다는 생각이 든다.

출처: 넷플릭스

정말 복선이 많고 모든 복선을 다 회수하려는 의지가 느껴지는 영화이기 때문에 혼자서 처음 봤을 때보다 이번에 봤을 때 보이는 것들이 많았고 대화하면서 새로 이해되는 부분도 많았다. 영화를 보고 포스터를 보면 정말 묘한 느낌이 드는데, 주인공인 애니와 딸인 찰리의 눈 색이 똑같은 것과 목이 잘린 듯한 장난감이 절을 하고 있는 모습을 보면 이 영화가 위에서 아래로 내려와 마지막 장면을 향해 달려가는 영화라는 것을 표현하는 것 같다.

출처: 넷플릭스

이 영화는 첫 장면과 끝 장면이 수미상관의 구조를 이루고 있다. 첫 장면은 마치 파이몬의 시선을 따라가는 것처럼 주인공 가족의 집이 디오라마로 보이고, 파이몬 강림 의식인 마지막 장면 역시 같은 시점으로 이루어져 있다. 자연은 인간을 짚으로 만든 개처럼 여긴다는 노자의 말처럼 인간들의 증오, 숭배, 사랑 등의 발버둥을 아무런 감정 없이 그냥 그 자체로 보고 있는 초자연적인 존재의 시선처럼 느껴져 소름이 돋았다.

출처: 넷플릭스

영화 유전의 줄거리를 정말 간단하게만 적어 보자면 악마 숭배자인 앨런이 아들에게 파이몬을 넣으려다 남편과 아들이 죽고, 남자로 태어나길 원했던 손녀 찰리에게 빙의시키는 것에 성공한 후 숭배자들의 계략으로 인해 결국 손자인 피터에게 찰리의 영혼이 옮겨감으로써 결국 파이몬이 남자의 몸으로 강림하게 된다는 내용이다. 줄거리만 봤을 때는 그냥저냥 재밌게 볼 수 있는 오컬트 영화라고 생각하게 되지만, 성인부터 아역까지 모든 배우들의 미친 연기와 흔한 점프 스퀘어 없이 많은 장면을 롱테이크로 찍어 관객의 멱살을 잡고 끌고 가는 것 때문에 줄거리를 아는 상태로 영화를 보더라도 정말 재밌게 볼 수 있는 영화이다.

출처: 넷플릭스

항상 영화를 보고 함께 영화의 각 장면에 대해 떠들 수 있는 영화를 좋아하는데, 유전은 그런 의미에서 최고의 공포영화인 것 같다. 당장 지금 생각나는 장면들만 적어도 몇 문단은 넘어갈 것 같아서 적지는 않지만, 이 영화를 아직 안 본 사람들이 있다면 미드소마까지 이어서 본 뒤 같이 떠들었으면 좋겠다. 한 가지 주의할 점이 있다면 이 영화에는 정말 너무 불쾌한 장면이 2~3개 나온다는 것 정도? 그래도 아직 보지 않았다면 당장 혼자서 보길 추천한다.

출처: 넷플릭스

가을 영화 하면, 어쩐지 제목부터 가을인부터 떠오른다. 포스터 부터 가을 풍경을 보여주겠다 작정한 <뉴욕의 가을>이나, 우리나라의 아름 다운 가을 풍경을 담고 있는 <가을로> 쓸쓸한 감성으로 가득 찬 <만추> 그리고 <시월애> (시월(10월)이 아니라 시(時)월(越)이지만) 쌀쌀한 날씨가 시작될 무렵 <시월애>나 <만추>를 떠올리는 이유는 영화의 장면보다 음악 때문이기도 한데, 서정적이고 차분한 선율이 가을의 감성과 잘 어울리기 때문일 것이다. 계절을 음악으로 떠올려보면, 여름이 신나고 통통 튀는 음표로 가득 차 있었다면, 가을은 조금 눅진한 느낌의 재즈 아닐까.

쳇 베이커의 음악과 삶을 다룬 <본 투 비 블루>는 다른 계절보다 가을에 보고 싶은 영화고, 듣고 싶은 음악이다. 소설가 무라카미 하루키가 ‘그의 음악에서는 청춘의 냄새가 난다.’ 고 했는데, 청춘의 음색을 지닌 그의 음악에서는 ‘가을의 차가운 공기’가 베어 있는 듯 하다. 

아마 재즈를 잘 모르는 사람들도 쳇 베이커의 음악은 한 두곡쯤 들어 보았을 것이다. 영화 <본 투 비 블루>는 에단호크의 아련하고 섬세한 눈빛으로 쳇베이커의 어두운 시절을 그리고 있다. 영화는 1966년 이탈리아 교도소에 있던 쳇 베이커를 영화제작자가 꺼내주면서 시작된다. 교도소에서 나왔지만, 마약을 끊지 못하던 그는 마약상에게 심하게 맞고 앞니를 모두 잃고 나서 약물 치료를 시작한다. 그 무렵 제인과 사랑에 빠져 고향으로 돌아가는데, 반겨주는 어머니와 다르게, 트럼펫 연주자 였던 아버지는 집안에 먹칠을 하고 있다며 그에게 그만 포기하라고 하는데… 쳇은 제인에게 약물을 끊기로 약속하고, 그럼에도 불구하고 쳇은 틀니를 끼고 피를 뱉어내며 트럼펫을 연습한다. 어쩌면 트럼펫은 삶의 이유가 된 건지도 모른다. 오디션을 보지만, 계속 탈락하게 되고 불안감 속에서 게으른 천재였던 그가 성실히 애쓰는 모습에 조금씩 회복하고, 작은 무대 부터 차근차근 다시 시작한다.

그리고 쳇은 전성기 시절 뉴욕에서 가장 유명한 재즈바인 버드랜드 무대에 다시 설 기회를 얻게 되는데…제인 없이 공연하게 된 불안감에 결국 마지막에 그는 나쁜 선택을 하고 만다. 영화는 내내 먹먹한 마음을 지울 수 없다. 외롭고 불안하지만, 영혼을 버려, 나를 부서야 했을까? 그의 짙고 깊은 음악과 대조되는 삶을 떠올린다. 최고라는 타이틀을 위해 약물에 의지해 온 그, 약에 기운으로 연주하는 그의 음악은 완벽했지만, 그 안은 비어 있다.

“천사의 혀로 노래하더라도 사랑이 없다면 시끄러운 심벌즈인 거야. 텅 빈 채로 올라가지 말란 소리야.”

"정교함이 떨어져인지 소리에 개성이 생겼어. 예전의 쳇 같지만 더 깊어."

치밀하고 정교하고 완벽 사람이 되기 보다, 개성있고, 매력이 있는 사람이 되는 것도 좋다고.

영화는 우리에게 더 중요한 가치가 무엇인지 다시 한번 생각하게 만들어 준다.

잘하고 싶고, 최고가 되고 싶었던 쳇의 마음과, 그를 사랑하 던 사람의 진심어린 조언이 담긴 마음을 생각하며

이 가을 쳇 베이커의 재즈를 들어 보길.

코너는 라피나와 함께 배를 타고 런던으로 간다. 코너의 형 브랜든은 벅찬 환호성과 함께 멀어져 가는 이들의 뒷모습을 바라본다. 형은 동생이 현실의 벽에 막혀 포기해야 했던 자신처럼 되지 말길 바랄지도 모른다. 브랜든은 코너를 향해 토해낸다. 너는 막내로 태어나서 편하게 내가 닦아놓은 길을 걸어왔잖아. 나도 한때는 기타를 치며 사람들과 놀고 달리기도 잘했다고. 사람들은 알지도 못하면서 나보고 약쟁이에 대학 중퇴자래. 나도 열정 많은 사람이었는데. 형은 열정으로 가득했던 지난날의 한순간을 돌이켜본다. 존 카니의 <싱 스트리트>를 보고 나면 가슴속에 처박아뒀던 먼지 쌓인 꿈을 꺼내보고 싶다. 자신이 꿈꾸던 삶에 가닿은 사람이 과연 몇 명이나 될까. 모두 이런 이유, 저런 이유로 포기하고 대안을 찾으며 꿈꾸던 삶과 멀어진 채로 일상을 버텨낸다. 그때 조금 더 해볼걸, 포기하지 말고 고집부려볼걸. 많은 이들이 후회와 미련이 뒤얽힌 복잡한 마음을 가슴 한구석에 묻어두고 살아간다.

젊으니까 그런 거라고?

코너와 라피나가 배를 타고 바다로 나가자 비가 쏟아지고 파도가 몰아친다. 그럼에도 그들은 웃는다. 꿈을 향한 이들의 길에 어떤 고난과 역경이 닥치더라도 문제 될 게 없다. 사실 코너가 부럽다. 라피나에게 첫눈에 반해 그녀와 접점을 만들려고 계획에도 없던 밴드를 덜컥 만드는 코너가 부럽다. 네가 라피나를 런던에 데려다주면 어떠냐는 에이먼의 말에 황당해하지 않고 비행기 표는 얼마냐며 끝내 배를 타고 그녀를 런던으로 데려가는 코너가 부럽다. 소년은 거침없이 본능과 직감을 따르며 하고 싶은 대로 살 수 있다. 무언가를 시도했다가 잘못된다 하더라도 이번 경험이 좋은 밑거름이 될 거야, 라면서 포장해버리면 그만이다. 사실 나는 굉장히 현실적인 사람이다. 그래서 더 코너 같은 사람이 부러운 걸까. 아니 정확히는 뭘 해도 용인되는, 젊음의 기운을 마음껏 발산할 수 있는 환경 자체가 부러운 걸까.

인생은 길고 젊으니까 실패하고 좌절하면서 빙빙 돌아가도 절망하지 말라는 어르신들의 말이 틀렸다는 건 아니지만, 오늘날의 청년들은 떠안고 있는 것들을 쉽게 떨쳐내고 새로운 삶에 도전할 만큼 단순한 세상을 살고 있지 않다. 그런데 코너를 보고 있으면 사실 이런저런 얘기들은 전부 핑계일 수도 있겠다는 생각을 한다. 나는 코너만큼 과감하지 않고 현실적이라 늘 걱정을 안고 산다. 그게 코너와 나의 차이다. 코너는 젊으니까 저렇게 손발 가는 대로 행동하지, 라는 말들은 어쩌면 잘못된 건 아닌가. 그가 젊다는 이유만으로 본능을 따라 여러 시도를 하는 게 아니라는 말이다. 코너라서 그런 거고, 나이랑은 상관이 없는 일이다.

기회를 놓치지 않는

분위기가 후끈 달아오른 공연, 코너는 분위기를 깨고 발라드를 부르려고 한다. 팀원들이 진심이냐고 되묻지만 뜻을 굽히지 않는다. 코너는 그 순간을 놓치기 싫었다. 그때 그 곡을 불러야 원하는 대로 무언가 이뤄질 것만 같은 기분일 테니까. 그는 기회를 잡을 줄 아는 사람이다. 가슴속에 하고 싶은 무언가가 있다면 그때를 놓쳐서는 안 된다. 코너는 늘 기회를 잡지만 나는 기회를 떠나보낸 적이 많았다. 그런 코네와 라피나가 만나게 된 건 어쩌면 당연한 일이다. 코너는 그녀에게 왜 물에 빠졌는지 묻는다. 우리 작품을 위해서야. 절대 적당히 해서는 안 된다는 그녀의 대답. 코너와 라피나는 아직 새파랗게 젊고 현실의 벽에 부딪혀 본 경험이 많지 않다. 그러나 그것들로는 이들의 희망찬 런던행을 뒷받침할 수 없다. 그들은 그냥 그런 사람들이다. 눈앞에 찾아온 기회를 그냥 떠나보내지 않는다. 그들은 과감하고 행동력이 강하며 꿈을 향한 열정이 있는 사람이고 각자가 바라는 이상적인 삶을 살아갈 자격이 있다.

<싱 스트리트>는 사랑과 꿈에 청춘 감성의 밴드 음악을 존 카니의 입맛대로 입힌 영화다. 그리고 어떻게 보면 감독의 위트 있는 권고를 담고 있는 영화이기도 하다. 꿈꾸던 것들, 하고 싶던 것들을 묻어두거나 잊은 채 일상에 전념하는 수많은 현대인들에게 존 카니가 말한다. 원하는 게 있다면 지금 해보라고. 꿈에 닿으려면 찾아온 기회를 놓쳐서는 안 된다고 말이다.

* 본 콘텐츠는 브런치 드플레 님의 자료를 받아 씨네랩 팀이 업로드 한 글입니다.

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