박찬욱 감독의 영화 속 강렬한 여성 캐릭터들! 이 다섯명이 한 곳에 모인다면 누가 이길까요?

<싸이보그지만 괜찮아> 정신병원의 싸이보그 ‘영군’

“싸이코가아니라 싸이보그에요”

<헤어질 결심> 타지에서 갖은 고생을 한 ’서래’

“한국에서는 결혼했다고 좋아하기를 중단합니까?”

<친절한 금자씨> 죄를 뒤집어 쓰고 독기 품은 ‘금자’

“언니 이제 밥도 많이먹고 약도 많이먹고 빨리죽어”

<박쥐> 시모, 남편 뒤치다꺼지와 학대까지 당하다 뱀파이어로 변신한 ‘태주’

“저 부끄럼 타는 여자 아니에요”

<아가씨> 어릴 적 부모를 잃고 엄격한 보호아래 살아가는 귀족 ‘히데코’

“내 인생을 망치러 온 나의 구원자. 나의 타마코. 나의 숙희.”

박찬욱 감독의 거의 모든 영화에서 여성캐릭터가 핵심적으로 등장합니다.

위의 영화들 말고도 <스토커>, <리틀 드러머 걸>에서도 여성이 이야기를 중심적으로 이끌어가죠.

박찬욱 감독의 신작에는 손예진 배우가 출연한다고 하는데요.

또 어떤 새로운 여성 캐릭터를 보여줄지 너무 기대됩니다 �

더 파더 (The Father, 2020)

* 본 리뷰는 영화와 관련된 중요한 사건과 일부 스포일러를 포함하고 있습니다.

이 영화를 기다린 가장 큰 이유는 배우 때문이었습니다. 84세의 노장이지만 아직도 건재하며 모든 배역마다 완전한 그 역할 자체가 되는 안소니 홉킨스의 출연이기에 다른 때와는 다르게 영화 내용을 제대로 찾아보지도 않고 영화관으로 향했습니다. 그래서였는지 배우의 연기는 기대 이상이었으나 사전 정보가 많지 않았던 영화 내용에는 기대하지 못한 적잖은 충격을 받기도 했습니다. (좋은 의미에서의 충격입니다.) 장르는 분명 드라마인데 스릴러와 공포를 넘나드는 듯한 느낌을 받았으니까요. 영화를 보고 나서 머릿속이 얼얼한 기분은 “곡성”이후로 오랜만이었습니다.

런던에 살고 있는 “안소니”(안소니 홉킨스)는 자신의 자부심처럼 느껴지는 집에서 혼자 노년의 나날들을 보냅니다. 그의 딸인 “앤”(올리비아 콜맨)은 주기적으로 그를 찾아오고 돌보아줍니다. 그러나 그녀는 새로운 사람과의 시작을 위해 곧 파리로 떠나야 한다고 이야기합니다. 뜻밖의 이야기에 안소니는 매우 혼란스럽습니다. 그리고 기억은 점점 더 엉켜서 무엇이 현실인지 알 수 없어져 갑니다. 딸은 어느 시점엔 간병인의 얼굴로 등장하고, 아버지를 떠나서 파리로 간다고 이야기한 적 없다고도 말합니다. 간병인의 얼굴은 세상을 떠난 둘째 딸 루시와 매우 닮아 있기도 하다가 어느 순간에는 다른 모습의 간병인으로 등장합니다. 커져가는 기억의 오류들 속에서 진짜를 찾기 위해 안소니는 기억을 바로 세우고 싶지만 그것은 그에겐 어려운 일이 되어버렸습니다.

▶ 이 영화의 장르는 스릴러와 공포인가

안소니에게는 언제가 아침이고 언제가 밤인지 모르는 날들이 계속됩니다. 영화의 소재인 “치매”는 우리에게 익숙한 그 병의 증상을 매우 세밀하고 감각적으로 전달합니다. 안소니에게 그가 알던 딸, 딸의 남편, 간병인은 다른 사람의 얼굴로 등장하기도 하고 알고 있던 인지하던 사실은 더 이상 사실이 아니게 되며 그는 매우 혼란스러움에 빠져가게 되죠. 트루먼 쇼, 예능에서 많이 보았던 몰래카메라를 연상하게 하는 해프닝들이 모여 그에게 굉장한 당혹감을 불러일으킵니다. 관객의 입장에서도 그가 인지할 수 없는 시간들과 사실들이 반복되는 것을 바라보는 게 어렵게만 느껴집니다. 마주하기 싫은 과거의 트라우마를 마주 해야 하듯 스크린 속 안소니의 모습을 애써 지켜보면서 저 역시 시공간 감각을 상실한 느낌을 받았습니다. 이런 느낌들이 이 영화의 장르를 드라마가 아닌 심리스릴러로 느껴지게 하는 지점이라고 봅니다. 관객은 등장인물들의 옷, 씬마다 바뀌는 안소니의 아파트의 구조, 가구들을 유심히 살펴보며 무엇이 진실인지를 쫒아가게 되니까요. 그렇지만 영화가 엔딩에 다다를 때까지 안소니에게 실제 일어난 일을 찾는 것은 쉽지 않습니다.

감독인 플로리안 젤러감독은 이런 관객의 경험을 유도했다고 합니다. 관객이 모든 방향감각을 상실한 채 진실과 진실이 아닌 것을 생각하는 경험을 체험하길 원했다고 하죠. 또 이런 것들을 통해 여러 영화에서 치매를 다루는 방식이 아닌 색다른 시선으로 이야기를 풀어나가길 바라는 의도가 정확히 작동하는 것 같습니다.

치매는 내가 겪어온 모든 시간을 엉겨버리게 만듭니다. 기억하는 사실이 달라질 때마다 그는 유난히 자신의 손목시계에 집착합니다. 엉겨버린 시간과 진짜 있었던 상황을 바로잡으려는 그의 현재를 추측할 수 있습니다. (아마 어느 요양병원 침대에 누워 생각하고 있겠죠). 자신에게 있었던 시간들을 떠올리며 진짜가 무엇인지 찾으려는 그의 고군분투를 시계를 통해 어림짐작할 수 있고, 이는 영화를 함축하는 가장 적합한 장치가 됩니다.

▶ 이 영화의 장르는 결국 드라마였다

반복되는 장면들에서 “대체 이게 뭐지?”라는 혼란스러운 감정을 최대치로 느끼다가, 마침내 마지막에 도달하여 이 모든 일의 대부분이 그저 치매 걸린 그의 머릿속에서 일어난 사실이라는 점을 깨달았을 때 영화의 장르는 공포에서 드라마로 옷을 바꿔 입습니다. 요양병원에서 아무것도 할 수 없는, 마치 아기의 모습을 한 안소니의 모습에서 진실 찾기의 긴장이 끝났다는 안도의 한숨과 함께 쓸쓸한 노년을 맞이한 한 사람의 드라마를 마주하게 됩니다. 그 시점이 돼서야 편안하게 인물에게 감정을 이입할 수 있게 되었는데요, 안타까움과 연민의 감정들이 폭풍처럼 밀려옵니다. 그리고 이건 어쩌면 먼 훗날 나의 모습이 될 수도 있겠다는 생각을 들게도 합니다. 나의 모든 잎들이 사라지는 것 같다고 말하는 그의 모습을 보며 찬란하게 꽃 피웠을 한 사람의 인생 여정의 마무리가 너무나도 가혹하고 쓸쓸하게 느껴지기도 했습니다.

영화 배역의 이름과 동일한 이름의 안소니 홉킨스의 연기는 안소니 그 자체였습니다. 맡는 배역마다 그 사람이 되어버리는 배우입니다. 그리고 그 점에 있어서 나이 차이는 확연하지만 전 이병헌 배우가 늘 떠오릅니다. 이병헌 배우도 맡은 배역 모두 그 사람처럼 소화해내니까요. 그리고 소재가 소재인만큼 만일 우리나라에서 이러한 역할을 맡는다면 누가 적합할지 떠올려보았는데 연기백 단의 이순재 배우, 박건형 배우가 떠올랐습니다.

<더 파더>는 감독이 직접 쓴 희곡 “더 파더”가 연극 이후 호평을 통해 영화로 재탄생된 작품입니다. “치매”라는 병을 소재로 차용할 때 주변인들이 환자를 연민과 사랑으로 바라보는 그간의 접근방식과는 다르게 당사자가 겪게 될 혼란과 공포에 맞춘 색다른 각본과 연출이 놀라웠습니다. 그리고 이런 각본, 연출, 배우의 3박자가 고루 갖추어져서 개봉 전부터 전 세계 영화제에서 노미네이트 되었고, 다가올 아카데미 시상식에서는 작품상, 남우주연상, 여우조연상, 각색상, 미술상, 편집상의 총 6개 부문에 노미네이트 되기도 했습니다. (이 글이 쓰여진 이후 4/26 기준으로 아카데미에서 각색상과 남우주연상을 수상했습니다.) 코로나로 인한 영화 가뭄이 이어지는 날들 속에서 믿고 보는 배우들의 명품 연기와 작품성이 곁들여 저 완성미가 돋보이는 그런 영화의 부재들을 <더 파더>가 채워줄 수 있을 것입니다.

*이미지 출처 : <더 파더> 스틸 컷

* 본 콘텐츠는 블로거 그린 님의 자료를 받아 씨네랩 팀이 업로드 한 글입니다.

원 게시글은 아래 출처 링크를 통해 확인하실 수 있습니다.

대학원 수업에서 분석대상으로 보기 시작한 영화 《안개 속의 풍경》. 처음 볼 때는 주인공들의 감정에 이입하며 너무 불쌍하면서도 대견하고 측은하기도 했는데, 점점 반복해서 볼수록 다양한 상징 요소들이 많이 드러나서 분석하는 재미가 있었던 작품이었다.

영화 《안개 속의 풍경》 시놉시스

사랑하는 아빠, 우린 낙엽처럼 여행하고 있어요. 당신의 가을을 희망의 빛깔로 물들이는 영화!

볼라와 알렉산더 두 남매는 역에 나가 아버지가 오기만을 기다리지만 아버지가 오지 않자 아버지가 계시다는 독일에 가기 위해 기차에 오른다. 그러나 무임승차였던 그들은 곧 쫓겨나고 삼촌의 공장으로 간다. 거기서 삼촌과 경찰과의 대화 중 독일에 아버지가 있다는 것이 거짓말이었음을 듣는다. 문득 눈이 온다. 환호하며 나가는 사람들. 그러나 그들은 곧 정물로 변해 버린다. 죽어가는 말이 끌려오고 옆에서는 파티의 손님들이 시끄럽다. 무언가 부조화스럽다. 죽음 앞에서조차도 사람들은 모두 냉담하고 무관심할 뿐이다. 알렉산더는 울음을 터뜨린다.

* 해당 내용은 네이버영화를 참고했습니다.

이 이후로는 영화 《안개 속의 풍경》 스포일러가 존재합니다.

상징과 은유가 매력적이었던 작품

영화 《안개 속의 풍경》을 보면서 들었던 생각은 이 작품이 왜 예술 영화라고 평가를 받는지 너무나도 이해가 잘됐다는 것이다. 일반적인 상업 영화는 상징이나 은유에 초점이 맞춰져서 영화가 진행되지는 않는다. 물론 없는 것은 아니지만 기본적으로 스토리 전개에 초점이 맞춰져 있다. 그런데 안개 속의 풍경은 중간중간 시퀀스에 방해가 되더라도 상징이 되는 장면을 삽입하는 경우가 자주 등장했다.

노란우비를 입은 사람들이 등장한다거나 갑자기 사람들이 멈춰서 사진을 보는 것 같은 느낌을 자아낸다던지 갑자기 바다 속에서 손모양의 조각상이 떠오른다던지,,, 처음에 봤을 때는 순간적으로 장면이 너무 튀어서 저건 뭘까? 하고 인상이 찌푸려졌었는데 계속에서 보다보니 각 캐릭터의 상황을 은유하고 있다고 느껴져서 오히려 튀는 장면이라고 생각이 들지 않았다.

정처를 잃은 주인공들

영화 《안개 속의 풍경》은 갑자기 볼라와 알렉산더가 아빠를 찾으러 독일을 향하는 것으로 시작한다. 그 과정에서 아이들은 너무나도 많이 길을 잃는다. 볼라는 성폭행을 당하기도 하고 알렉산더는 경제의 관념이 없는 어린나이에 자본주의를 경험한다. 그리고 사랑을 잃기도 하며 영화 속에서 주인공들이 길을 계속해서 잃는 장면을 보여준다.

그러한 모습이 가장 적나라하게 등장했던 장면이 바로 바다 속에서 손 모양의 조각상이 떠오르는 장면이다. 바다 속에 잠겨 있던 조각상이 검지 손가락이 잘린 채 헬리콥터에 의해 운반되어지는 장면이었다. 그 장면을 보면서 방향을 가리키는 검지 손가락이 없는 조각상이 현재 정처를 잃은 주인공들을 암시하는 것이라는 유추가 가능했다. 그리고 본인들의 의지와는 상관없이 외부 압력에 의해 이동되어질 것을 나타내는 장면이 아닐까 하는 생각이 들기도 했다.

그래도 본인의 길을 가다

영화 《안개 속의 풍경》을 굉장히 긍정적으로 해석하고 싶었다. 볼라와 알렉산더가 아버지를 그리워하며 독일로 가는 여정 속에서 수많은 고초를 경험하지만 결국 자신들이 독일이라고 생각하는 곳에 내려 달려가는 모습을 보면서 일종의 성장을 거쳤다고 판단했다. 

혹자는 독일이라고 말하는 공간이 총에 맞아 죽어서 간 공간이라고 설명하는 사람들도 있다. 하지만 내가 보기에 총소리는 하나의 위험 장치라고 생각이 든다. 그 총을 피해 결국 볼라와 알렉산더는 어떠한 곳에 내렸고, 영화 초반 오레스테스가 보여준 필름에서 보여준 나무와 비슷한 나무를 향해 달려간다. 오레스테스는 나무를 보며 안개가 걷히면 나무를 볼 수 있다면서 현재의 암울한 상황이 거치면 아름다운 나무를 볼 수 있을 것이라는 희망을 내비친다. 그 나무를 볼라와 알렉산더 앞에 실제로 위치시키면서 그간의 시련을 보상받고 성장했다는 것을 보여주는 장면이라고 생각한다.

영화 《안개 속의 풍경》은 상징이 무엇일까, 이 은유는 무엇일까 생각하는 재미가 있었던 작품이었다. 

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